lunes, diciembre 10, 2007

High On Fire - "Death Is This Communion" (Relapse)


Algo menos espontáneo que su predecesor (el monumental y agreste "Blessed Black Wings"), más complejo en su catedralicia arquitectura y más claramente metálico, el nuevo trabajo de los de Matt Pike los confirma en el trono ganado a sangre y fuego; señores indiscutidos de un ácido círculo de brutalidad primigenia construido con barro, sudor y escarpias de acero, con el sonido encharcado en graves, empujado por una ritmica implacable y unas guitarras perfectamente dosificadas esta vez. El preclaro trabajo de Jack Endino en la producción deja traslucir esa primaria y descomunal voluntad, y la capacidad del trío para evocar imágenes arcanas y primeras alcanza toda su panorámica grandeza en el mismo centro del disco, con la secuencia que arranca en la circular cabalgada instrumental de "Khanrad´s Wall", pasa cual carga de caballería pesada sobre el cráneo de Lemmy Motorhead en las imbatibles "Turk" y "Rumours Of War", desciende a catacumbas de siniestra lírica en "DII" y va a morir frente a los infranqueables muros de "Cyclopian Scape" y las visionarias cúpulas de "Ethereal". Como broche, un espléndido libreto interior, igual de barroco y amenazante que el trabajo que envuelve. Y la realidad de que en directo muy poquitos, por no decir ninguno, son capaces de plantarles cara. Compruébalo si quieres; para cuando salgan estas líneas, los bárbaros andarán por aquí.//Luis Boullosa (Reseña originalmente publicada en la revista RUTA 66, número de diciembre de 2007)

RUMORS OF WAR (Video)

KAPUT V (No saldrás vivo de esta vida)


La cocina humea con el olor a azufre de un nuevo número de KAPUT. Contra todo y contra todos. Gracias a algunos y pese a muchos. Para solaz onanista de enfermos del underground y crujir de dientes de los guardianes de la moral. Pronto la revista hecha por gente con resaca para gente con resaca estará en tus burdeles y casas de apuestas favoritas. Más aberración sonica, entrevistas marginales, opinión a contrapelo, balas perdidas, poesía de canalón y libertad de expressssssssssssssssión a la vena. Recordamos que para números atrasados, colaboraciones desinteresadas, aportaciones pecuniarias, sobornos encubiertos y mamadas carcelarias podeis dirigiros a revistakaput@gmail.com o enviar vuestros ruegos y ofrendas certificadas a c/San Bernardo, 83, 3º 5. 28015 - MADRID (SSpaña). Dios os guarde en su seno, insondable y oscuro. ROCK&ROLL!!!

Fdo: Comandante de Campo Kappo McGowan

Img: Castro Erectus (5 Cobras), Lady Absenta y Void George (Tú y las Hienas Telepáticas), pasando la jornada de reflexión a la sombra de Baco

viernes, noviembre 23, 2007

LIARS - "Stumm 287" (Mute)


Un regreso a la (relativa) sencillez para despistar una vez más al personal en una carrera que va camino de convertirse en una tesis sobre el quiebro y el regate. Sin embargo, donde antes había riesgo (triunfante en el brutal y desasosegante "They Were Right, so We Drowned; discutible en el conceptual y excesivamente pretencioso "Drum´s Not Dead" ) ahora hay una sopa de influencias reconocibles y comunes; sazonada eso si, con gusto, y nutritiva sin excesos. Así, habilmente y sin aparente esfuerzo, construyen un disco sólido, impostadamente oscuro, que navega con facilidad entre Rammstein (lo que oyen, señores) y unos Jesus And Mary Chain caseramente barnizados de krautrock, entre una visión monolítica de los Joy Division y un relajado Perry Farrel con unos hipotéticos Death in Vegas como banda (en más de una ocasión, como en "Houseclouds" la voz se acerca a aquella que alguien definiera una vez como de "angel al borde del estupro"). Un disco, en fin, que podría competir, en menos pop, con los mejores trabajos de gente como Six By Seven (¿alguien los recuerda?), pero que resulta ligeramente corto, sobre todo cuando nos recuerdan, como en "Leather Prowler", que si quisieran podrían ser aún aquella banda, puro calambre, de cuatro o cinco azños atrás. Queda en el aire la pregunta de si realmente sigue habiendo sinceridad detrás de la máscara o si poco a poco se han ido convirtiendo en solventes artesanos de una música moderna tan bien conjugada como carente de nervio interior, hábiles barajadores de estilos e influencias para solaz del indiedom. Mientras las respuestas sean así, por mí bien. Pero, siendo quienes son, sigo esperando más, francamente.//Luis Boullosa

miércoles, noviembre 21, 2007

TWO GALLANTS - “Two Gallants” (Saddle Creek)


Prometían mucho los Gallants con su anterior largo, el aspero y contrapelado “What The Toll Tells”. Era un álbum difícil de entrada pero extenso y generoso en placeres una vez que se traspasaba el tosco umbral de voz y batería. Gemas como “Steady Rolling” y una lírica torcidamente shakespeariana mostraban que lo que cocían los colegas no era moco de pavo y los emparentaba, aún cachorros, con los francotiradores más irreductibles del rollo americano (Giant Sand y tal y tal). Y en esas, nos llega este tercer disco, el que todos esperaban como la confirmación y asentamiento. Pues no. Hágale usted caso si lo desea a los cronistas de la prensa que se han encargado de ponerlo por las nubes en los últimos meses, pero “Two Gallants” (con el nombre no se han comido el tarro) no da la talla de esas expectativas. Las letras siguen siendo intensas e interesantes, eso no se lo quita nadie, pero los temas son unidireccionales, monótonos y carecen de los estribillos brillantes que les hacían levantar el vuelo en el anterior trabajo. Largas, largas, larguísimas, canciones que habían empezado bien ya están pidiendo a mitad de recorrido que pase uno a la siguiente en busca de un poco de contraste, de dinámica, de aquello que nos hace aferrarnos a cuatro acordes y una melodía aullada como si nos fuese la vida en ello. Un algo misterioso que aquí ha desaparecido. Sintomáticamente, el mejor momento del álbum llega en el tema en que se apean de su burra de chillido y batería desordenada para marcarse un “Fly Low Carryon Crow” magnífico que demuestra que podrían llegar a ser algo más si se decidieran a abandonar una formula tan vistosa como agotada, a la vista del resultado. A cabalgar lejos de ese sufrimiento casero y al cabo impostado (aunque bien impostado) para entrar de verdad, con dos cojones, en el siempre proceloso mundo de la tra(d)ición.//Luis Boullosa

STEADY ROLLING
DESPITE WHAT YOU´VE BEEN TOLD

martes, noviembre 20, 2007

COSMIC PSYCHOS - "Dung Australia" (Shock Records)

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Grupo entrañable donde los allá, los Psicópatas Cósmicos. Que de cósmico, por cierto, tienen el nombre y poco más, porque el resto es terreno a más no poder, con las botas bien metidas en un charco de barro y distorsión del que a estas alturas no parecen dispuestos a salir. Son, angelitos, como una especie de Motorhead de bolsillo, y como estos, no defraudan pese a las inevitables oscilaciones de calidad en sus discos. Y en directo son (tres veces a lo largo de mi vida lo he podido comprobar) un buldozer aplastacraneos, de segunda mano, eso sí, pero en perfecto estado de funcionamiento. Punk fibroso, musculado y a la cabeza, caiga quien caiga, como demuestran en este “Dung Australia” que facturan tras la muerte en julio de 2006 de Robbie “Rocket” Watts, su guitarrista desde el 90, la marca de la casa sigue ahí con su sustituto, John Onya (Onyas). Un magma más pesado que veloz, recocido en su propia saturación (el bajo parece salir de un ampli rajado, en una especie de crujiente e indefinido estertor) y en el que no hay temas que sobresalgan sobre los demás, sino, más bien, un continuo de efectivas coces en el bajo vientre de las que es preciso escuchar a todo el volumen posible. Paladines de un cazurrismo antipodico trufado de humor de taberna, a menudo esa imagen de curriquis cerveceros y analfabetos no les ha hecho demasiado bien. Y lo digo porque muchos de sus trabajos no tienen nada que envidiar a los de colegas de generación como a, por poner un ejemplo, el tan celebrado como discutible último largo de los Beasts of Bourbon. En fin, que lo que hay aquí no llega a la excelencia de “Down On The Farm” (85) o “Go to the Hack” (89), los dos hitos de su carrera, pero demuestra que en el perdido arte de no bajarse de la burra ni a tiros, ellos son catedráticos. Conocerles es amarles.//Luis Boullosa

RAIN GAUGE (VIDEO)
SHE´S A LOST CAUSE (TV)

martes, noviembre 13, 2007

CAREER SUICIDE - “Attempted Suicide” (Deranged Records)


Al próximo que te pregunte que es eso del hardcore le pones “Play The Part”, el tema de apertura de este disco. Y arreglado. Perfectamente ubicables en la primera mitad de los ochenta, pese a que son de ahora mismito, estos pipiolos canadienses ejecutan en trece hostias bien dadas un disfrutable calco de lo que, por aquel entonces, postulaban los gigantes del género (Black Flag, Minor Threat, Suicidal Tendencies, etc, etc...) y algo después remacharon bandas aún en activo (Sick Of It All, por citar una). Un hipohuracanado desfile de consignas antisistema con cerebro detrás ejecutado con toda la mala baba y la cortante efectividad que caracteriza a lo mejor del género. En su contra, la absoluta uniformidad de principio a fin que deja al disco sin dinámica. En su favor, además de que suenan como un puto cañón, el devolvernos una pureza de forma y acción que se echa de menos en el mundo del harcore actual, inundado de comercialismo, vendido al pastel emo o irrevocablemente infectado de metal. Nada de eso hay aquí. Batería, bajo, voz y guitarra (y que guitarra, colega) arremetiendo con fría y rabiosa precisión. Un oxigenante festín para los que aun desemplovamos aquellos días de furia de vez en cuando. No se comeran nada. De eso puedes estar seguro.//Bastard Son of Cheetah Chrome

LIVE IN JAPAN

lunes, noviembre 12, 2007

THE FELICE BROTHERS - "Tonight at the Arizona" (Loose)


No son estos hermanos (tres de verdad y uno por el familiar roce inherente a una banda de rock) de las montañas de Catskill los primeros que pasean por el camino marcado por Dylan en los albores de los sesenta y por los agrestes senderos que desbrozaron palmo a palmo The Band, tiempo más tarde; pero lo hacen -incluida su mitología desgarrada, atemporal y violentamente romántica- con inusitada naturalidad y brillantez. Cierto que el parecido vocal con el Zimmerman primigenio nubla el juicio durante la primera escucha, y que la misma imagen de portada remite de forma acaso demasiado evidente -aunque entrañable- a aquel sustrato vital y musical sobre el que los Robertson, Helm y compañía tallaron algunos de los mejores discos de su época. Pero, sacudiéndose el prejuicio, las canciones imponen su independencia por pura calidad, mostrando un apreciable talento para la observación y habil descripción de las encrucijadas humanas. Nevadas, tormentas, la primavera llegando una mañana mientras uno sale a desperezarse aún impregnado de la peste a madera quemada y café del interior de la cabaña de troncos... Pueblos de los que hay que huir (La inapelable «Roll On Arte», quizá el mejor tema del disco), meditaciones sobre el suicidio («Hey Hey, Revolver» durante cuya grabación un rayo, perfectamente audible, impacta sobre el estudio casero), trafico de heroína para pagar las facturas médicas de mamá («Rockefeller Druglaw Blues»)... Y giras, minibús escolar atestado, bolos en chozos inmersos en una humareda que proviene, probablemente, de la combustión espontánea de la tradición misma en manos de los nuevos vagabundos mágicos. Un disco irregular, magnífico por momentos y siempre apreciable en su deshilachada y gloriosa expresividad. Ya sabes, algunos mensajes son universales. «Rueda, sigue rodando/Tu corazón es demasiado bueno para este pueblo...». Amén. //Luis Boullosa (Reseña publicada originalmente en la revista Ruta 66, ejemplar de Nov. 2007)

ROLL ON ARTE (VIDEO)

domingo, noviembre 04, 2007

LORDS – “Swords” (Jade Tree)


El trabajo de diseño, hermoso, recargado, inquietante, hace justicia al igneo magma de hardcore metalizado al que envuelve. Entre lo brutal y lo clínico, cortantes e hiperagresivos, los jóvenes Señores despachan un discazo peculiar se mire por donde se mire. La producción, por ejemplo, deja en un extraño segundo plano a unas guitarras disonantes y magníficas, poniendo por encima la voz y la descuartizada rítmica de la batería. Y sin embargo, contra todo pronóstico, la fórmula funciona como atrayente caos sonoro sobre el que montar una serie de oscuras pero certeras reflexiones -metafóricas, las más de las veces- sobre los imperios y su brutal falsedad (“Ringfinger”, “Lift High The Mighty Throne”) y la necesidad de abrir los ojos y afinar la conciencia para comprender la realidad que existe más allá de lo visual y lo táctil y, sobre todo, más allá de la ración de mentiras con la que somos alimentados cada día (“Two Lies”, “Curse Of Clear Vision”). Añádansele un par de fantasmagorías a la Lovecraft (“She Is The Last”, “My Kind Live Low”) y esa reflexión sobre la muerte y la necesidad de acción que es la enorme “Watching The Clock” y ahí está uno de los mejores discos de música agresiva de los últimos años. Muy por encima, por su perspicacia, de la legión de bandas supuestamente políticas que pueblan el panorama. Su negro jarabe se digiere como un purgante tan áspero al paladar como necesario para la conciencia. Imperiales.// Luis Boullosa

HEY, COLOSSUS! - "Project:Death" (Underhill Records)


Vale, el proyecto se llama muerte, pero es un placer estar vivo para seguir escuchando burradas así, en tiempos poco halagüeños para tan contrapelada expresividad. Con un deje metálico inicial, pero más inspirados probablemente en ese core ralentizado que tan bien han sabido alargar hasta hoy santones como Melvins o Unsane, los colosos reparten unas cuantas cucharadas bien llenitas de ese grumoso caldo negruzco que a algunos tanto nos alimenta. Comienzan pesados y atmosféricos, pero a la segunda las cartas ya están sobre la mesa. El título lo dice todo: “Yo soy el estrangulador de Chiswick”. Y el contenido lo remacha con un arranque de furia minimal y rítmica poderosa que muchos con más nombre quisieran para sí. Y es que son una de esas bandas que juegan a lo esencial: No hay aquí ni bagatelas de producción ni apenas ornamento, ni fanfarria innecesaria ni truquitos para hacer más tragable la puta realidad. Sólo un descarnado y austero paisaje de hormigón postindustrial y el latido de estática que permanece aún, en la ciudad arrasada. Un clásico menor de la certeza y la agresión.// Luis Boullosa

I AM THE CHISWICK STRANGLER (LIVE)

BRIMSTONE HOWL – “Guts Of Steel” (Alive Records)


Otra de garage a la brasa, de la mano de los muy fiables chicos de Alive (Buffalo Killers, Two Gallants, Black Keys, etc…). Difícil tarea la del Aullido de Brimstone, pese a la indudable calidad del producto que presentan, en un género ahora mismo saturado de bandas apreciables aunque descabezado desde que los Deadly Snakes decidieron disfrazarse de The Band y, luego, desaparecer. Vale la pena, sin embargo, echarles un ojo, aunque solo sea poe ese segundo tema, “In The Valley”, que los hermana brillantemente con los Giant Sand del comienzo, cuando sus raíces americanas comenzaban a empaparse de visión personal. Por lo demás, cumplen, pero parecen demasiado atados a una tímida perversión de las formas clásicas que hace mucho que se convirtió en un género en sí misma. Y adolecen de una cierta incapacidad para el estribillo original. En todo caso, atesoran agradables momentos de punk encabritado (“Heart Attack”), protosurf de la llanura (The Moment And The Hour”, donde recuerdan a los olvidados Jet Black berries) y desfase en general. Confiemos en que tengan esas tripas de acero de las que presumen para soportar lo que les queda por tragar.// Luis Boullosa

THE TERMINALS – “Forget About Never" (Dead beat)


Desmadejados, onomatopéyicos y trogloditas; achicharrantes en su cavernaria visión del garage-punk, nihilistas por la cara. Los Terminals pueden ser de primeras, tan refrescantes como cualquiera de esos grupos que se niegan a aprender las más básicas normas de urbanidad para poder preservar el puro y duro exabrupto creador tal cual nace. Por desgracia, la falta de variedad y la opacidad instrumental terminan por lastrar bastante el conjunto al canbo de unos cuantos temas, en tanto que no son banda de hits sino de fórmula (matraca encharcada en teclados con vírica ascendencia Cramps y Sonics; amalgama de ruido siniestroide capitaneada por el reververante aullido vampírico de Lizz Hitt). Un manjar infrasónico, en fin, que probablemente funciona mejor como entrante que como plato fuerte y al que el formato LP le queda tan grande como ajena le resulta la palabra producción. Un bien y a esperar.//Luis Boullosa

lunes, octubre 22, 2007

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HURÓN FRANCÉS Producciones en colaboración con VENGANZA ANIMAL presenta a 5 COBRAS en el LICOR CAFÉ TOUR 07. Las fechas confirmadas por el momento para ver cara a cara a vuestras mascotas favoritas son las siguientes:

-24 OCT en MADRID, sala GRUTA 77 (c/Nicolás Morales, Metro OPORTO) con SHOOLINS
-17 NOV en MADRID, sala LA LEYENDA (c/San Bernardino) con COCHINO SULLIVAN
-6 DIC en BAYONA (Galicia), en TABERNA MARRUCHO
-8 DUC en CARBALLO (Galicia), sala A RESERVA
-14 DIC en MADRID, sala WURLITZER BALLROOM (C/Tres Cruces, Metro GRAN VÍA) con MOTOCROSS

jueves, agosto 30, 2007

Entrevista con RAFA BERRIO


(Texto íntegro original de una entrevista publicada con ligeras modificaciones en la Revista Ruta 66, número de septiembre 2007) Trovador a recuperar con urgencia para el «gran público» (!?), el donostiarra Rafa Berrio lleva desde los primeros 80 cultivando una manera de hacer y de decir que le da por derecho un puesto destacado entre los mejores orfebres del pop y el rock cantado en español. Con la raíz en Dylan, Reed o Cohen, pero también en Pessoa o el tango, es Berrio un discreto pero emocionante cronista de los mil vericuetos de la relación sentimental, la fascinación de los lugares únicos y cotidianos y un gozo de vivir siempre transido de reflexión. Su producción reciente al frente de su banda, Deriva (absolutamente recomendable su último largo, «Harresilanda»), mejora el ya notable pasado al frente de Amor a Traición y le saca varias cabezas al pelotón de adocenados cantautores que nos fustigan cada día con sus rimas inanes. He aquí las reflexiones del vadeador de palabras profundas sobre el oficio, el beneficio y otras ilusiones.

KAPUT- El primer disco de Amor A Traición era excelente, pero comparado con lo que ha venido después, me parece un poco saturado de arabescos, referencias y personajes, menos sincero. ¿Cómo lo ves ahora que ha pasado el tiempo?

Rafa Berrio- En realidad ese disco primero es una "recopilación" de los años oscuros de Amor a Traición, con canciones de la segunda mitad de los 80 y los primeros años 90. Paradójicamente se publica en el 94, muy poco antes de que el grupo se disuelva. Teníamos un pasado lleno de maquetas y temas sin grabar y tuvimos que hacer un listado muy extenso de canciones para desechar unas y grabar otras. El lío fue enorme y en último término quedaron las que se escuchan. Quizá no se acertó en el repertorio, o quizá hubieramos tenido que grabar un disco triple. Ocurre también que carece de "producción" o de dirección unitaria vista "desde fuera". La Warner nos dejó a solas y ahora voy comprendiendo que la figura del productor es más importante de lo que parece. Para bien o para mal el disco suena tal y como sonábamos nosotros en el local de ensayo, pero con una calidad infinitamente mayor.

K- La evolución desde ahí parece haber sido hacia algo más sereno y menos ornamentado, más a lo esencial, tanto en lírica como en sonido ¿cuánto hay de artificial en esa evolución? ¿Te comes mucho el tarro o simplemente la edad va volviendo la expresión más precisa y enjuta?

R- He tenido un problema de "delirio de grandeza" durante toda mi juventud. En vez de fijarme en la sencillez de la Velvet Underground, (que por otra parte era mi grupo favorito) prefería copiar los arreglos sofisticados de Roxi Music o de Bowie para complicarme la vida. No fui listo, no supe tomar conciencia de "la realidad", no comprendí que "eso" no me era posible, y que estaba fuera de mi alcance. Quizá sea necesario pasar por ahí, practicar el "ensayo y error", arriesgar y perder... Con el tiempo todo se coloca en su sitio y la euforia va claudicando, asentando cabeza. El estilo propio conseguido es una sensación agridulce de "hogar dulce hogar". Pero afuera queda la "intemperie" y a veces sospecho que con ella el riesgo de una mayor libertad.

K- El primero de Amor a Traición me suena a Dylan entre "Blood on the tracks" y "Street Legal". Es algo bastante ambicioso para alguien como tú, que declaraba hace poco que Dylan es demasiado grande y da ganas de dejar de hacer cosas.

R- Efectivamente, era un disco ambicioso, sin medida, pero nadie nos lo dijo entonces. Nadie nos aconsejó que bajáramos el registro. Amor a Traición fue una banda "completa", a imitación de las grandes bandas, formada por dos guitarras saturadas, piano y hammond auténtico, batería y bajo. Para ciertos temas añadimos una sección de viento de tres saxofones creo recordar, y el resultado es un gran sonido, pero quizá sin saberlo gestionar. Ya sabemos que la ignorancia es atrevida y nosotros por entonces estábamos llenos de joie de vivre y anfetaminas. No nos lo
tomábamos ni en serio ni en broma... Las cosas sucedían porque sí, igual que en un sueño. Yo apenas recuerdo nada de aquella época.

K- En tus otros discos, todo eso es mucho menos evidente. Los escucho y solo pienso en Rafa Berrio, no en otros músicos... Parece que cada vez cantas más libre y que hay palos que ya son exclusivamente tuyos. ¿Cómo es el proceso de encontrar una voz propia?

R- Es un proceso en el que interviene fundamentalmente el TIEMPO. Unos artistas encuentran su sitio recién cumplidos los 20 años y otros a los 40. Hubiera preferido ser de los primeros pero mi evolución es lenta y quizá torpe, aunque, eso sí, tenaz y sin desaliento. Soy de manera natural
paciente y a veces hasta yo mismo me asombro. Hay que tomárselo con grandes dosis de filosofía y escepticismo. Sonriendo a la manera de los estoicos. Disimulando la ilusión pero sin dejar de generarla.

K- Trabajas un Castellano poco habitual para el nivel medio del lenguaje del rock y el pop. Pero consigues que no suene forzado ni cultureta. ¿Tienes una preocupación consciente por usar un lenguaje rico, por no banalizarlo?

R- Comencé a componer canciones con letras y poemas de mi hermano Iñaki. Yo era incapaz de juntar dos líneas seguidas aceptables. Canibalizé sus escritos y fundí frases y estrofas suyas para adaptarlas a mis acordes. Las mejores canciones de nuestra época de maquetas, y del primer álbum Amor a Traición, están firmadas a medias con Iñaki Berrio. Más tarde me sometí a una especie de disciplina y me obligué a escribir cada semana lo que fuese. Ya estaba todo perdido porque había leído a muchos poetas y eso no ayuda nada, sino que pervierte y mata la frescura. Tuve una etapa purista de versos absolutamente medidos por sílabas y sujetos a norma, lo cual es ridículo para un tema de rock. Más tarde, como siempre, de manera lenta y un poco atontada, comencé a aflojar y a rimar en asonantes sin preocuparme demasiado, o mejor dicho, preocupándome de que pareciera "natural" y espontáneo. Me cuesta mucho "eso". Mi hermano tiene una capacidad "callejera" y directa que yo debo interponer y recordar todo el rato en mis escritos, para no pecar de blandenguería. Por otro lado, lo quiera o no, soy de la ciudad de Donosti con todo lo que eso marca y, aunque de familia de la clase obrera, la expresión de mis canciones no podría ser barriobajera sin impostura, sin artificio, sino más bien, y a la manera de los donostiarras, comedida y discreta... (aunque nunca se sabe: de Poch a la Buena Vida hay un buen trecho). Pero sí, existe un equilibrio muy difícil entre las palabras claves de la calle y las imágenes poéticas más o menos cursis o rebuscadas. Es "ahí", en ese término medio, donde me gusta a mí escribir. Y, sí, me cuesta gran esfuerzo.

K- Escribes, supongo, algo más que letras de canciones... ¿Te consideras un poeta o qué?

R- Por supuesto que no. Un hacedor de letras de canciones, de cuartetas, de coplillas, de estrofas de arte menor, quizá. He sido sin embargo poeta en la bohemia de los puticlubs, en las noches de juerga, en los excesos, con los amigos y con las mujeres, en soledad perfecta... ahí sí me he sentido poeta, aunque sea por un momento, y es una sensación bastante común por cierto.

K- Cuéntame cuál es tu relación con Diego Vasallo, alguien que si bien ha sido conocido también permanece ahora en un cierto anonimato. ¿Te relacionas con muchos otros músicos de tu ciudad?

R- Conocí a Diego Vasallo cuando quiso producir nuestro disco "Canción de mala muerte", allá por el 96. Sé que no le va a gustar que lo diga, pero él lo hizo de manera absolutamente altruista, sin nada a cambio y sabiendo que aquello íba a ser un fracaso. No contento con ello, también sacó a la luz al mismo tiempo otro disco buenísimo de los "Sanchís y Jocano", y claro, perdió para siempre todo su dinero invertido. Pero sé que lo hizo con fe, con todas las consecuencias, quizá por el placer de llevar la contraria, o por un raro sentido del honor. Diego es lo más parecido al concepto que yo tengo del "artista". Un hombre con un pasado deslumbrante, del cual no reniega pero tampoco se cuelga, un hombre que busca sin cesar y experimenta, que crece en modos de expresión, que piensa y cuestiona. Alguien sin duda admirable y que yo he tenido el orgullo de conocer con dos vinos de más, por ejemplo, en una noche donostiarra lluviosa cualquiera. Con respecto a los músicos de la ciudad, todos tenemos relaciones más o menos cercanas y nos conocemos, al menos los de la misma generación. Kike Mingo, Sanchís, Jocano, Txetxo Bengoechea, Erentxun, Jabier Sun, Adrián Pérez de Vicente, la gente de La Buena Vida, la diáspora madrileña que vuelve por navidad a Donosti... es una ciudad pequeña y las relaciones son cordiales.

K- Mucha gente termina por ser el cronista "oficial" de una ciudad, como Lou Reed de New York. Tu hablas de muchas. Sin embargo, en "Harresilanda", que habla de San Sebastián, el mesaje es un poco el de "La ciudad", de Kavafis: Todas son una y tu miseria o tu gloria la llevas contigo a donde vayas... Hablame un poco de eso.

R- La mejor canción sobre San Sebastián la hicieron los Sanchís y Jocano en su famosa "Crónica de San Sebastián". El nombre de la ciudad es poco versátil rítmicamente, a pesar de ser una palabra acentuada en agudo y resulta difícil encajarla en cualquier letra. Con respecto a las ciudades, comprendo que todas son lo mismo y la miseria o la gloria la llevamos con nosotros. Eso es un tópico. Yo soy feliz en Sevilla, que conozco bien, pero ya entiendo que me cansaría pronto del olor a azahar y "los capillitas", año tras año. Madrid es el paraíso, la gente, las tabernas, la historia, pero hay personas que duermen al raso entre cartones y no deben pensar lo mismo. Cuando he regresado Lisboa he tenido ganas de quedarme para siempre. En París está toda mi familia emigrada en los años 60 y la he paseado desde niño. Hay una libertad incomparable que uno siente fundido a la marea de los grandes bulevares, pero cae la noche y no sabemos lo que ocurre en las ventanas iluminadas de las buhardillas. Todos tenemos un ciclo natural de encantamiento y desencanto. A mí me ocurre aproximadamente cada cuatro años o cinco, y entonces sucede que me aburro mortalmente. Necesito novedad constantemente y no me doy cuenta que eso, generalmente, crea frustración y la frustración, violencia y malestar. De este círculo en cadena hablan precisamente muchas de mis canciones, empezando por la rabiosa "Planes de fuga".

K- Hay muchas voces, o al menos muchos puntos de vista en tus trabajos. ¿Tiene Rafa Berrio Heterónimos como Pessoa o es que una personalidad tiene suficientes caras de por sí?

R- Pessoa es uno de mis poetas favoritos. Si lo pienso bien... creo que es "El Más Grande". Aunque es bastante deprimente, me gustan todos sus heterónimos, todos sus libros, su aspecto, su triste historia. El demuestra que el alma humana puede desdoblarse y obrar en sentido contradictorio, que es necesrio el conflicto íntimo para sobrevivir. Sin embargo yo creo que el resto de los mortales somos más de una sóla pieza, más planos y coherentes, más inamovibles, y hasta nos enorgullecemos tontamente de ello.

K- Qué mal y qué bien ha hecho, según tu visión, la influencia anglosajona sobre el rock, a nivel literario. A veces detecto una cierta incapacidad en los rockeros para hablar de las cosas propias.

R- El gran complejo del rock español (un poco en broma) es que en este idioma no se puede decir la palabra "clave" del rock anglosajón, que es "Baby". No se puede traducir por "nena"; no se puede traducir por "nene". Cuando un rockero se da cuenta de eso "ya" ha dado un gran paso adelante. Tuvieron que venir los argentinos, siempre tan inteligentes, para hacernos comprender que el español servía tanto como el inglés y que había que utilizarlo sin complejos, tal y como era. Que Alabama bien pudiera ser Extremadura, por ejemplo. Ahora, aún hay reminiscencias yankis, muy a menudo en cierto hip-hop y en algunos temas de radio fórmula, pero son casi una pura anécdota. Creo que el complejo está superado.

K- ¿Cuál es el reconocimiento que tienes en tu tierra? ¿Cuál es la situación cultural en el País Vasco ahora por comparación con otras épocas?

R- Cuando el Donosti-Sound emergió allá por el año 80 aún nos hacían algún caso los medios de por aquí. Unos pocos años más tarde, el Rock-Radikal-Vasco arrasó con todo y nosotros quedamos como unas mariconas frívolas con el pelo teñido de colorines. Se nos apartó a un lado y
fuimos enterrados en vida. Se montaron por entonces las grandes cadenas de distribución euskaldunes y los sellos y estudios afines, apoyados por las eternas instituciones nacionalistas. El filtro selectivo fue inmisericorde: euskara-castellano; provincia-capital... Los años oscuros han durado hasta anteayer, y no por la infraestructura, sino por los propios grupos y artistas de la tierra, que han aflojado y son más eclécticos afortunadamente. Por puro interés los sellos relativizan más y los medios pueden programar algo de lo "heterodoxo" sin que les rechinen los dientes. Ahora un cantante vasco en español es como un tonto en mitad de un camino. Así me siento yo al menos.

K- ¿Cuánto hay de vocacional en tu "malditismo"? ¿Cuánto hay de querer ser invisible, como dices en tu canción? ¿Realmente quieres ser sólo "el hombre de la multitud"? ¿En ese caso, por qué escribes canciones?

R- Antes me he quejado del panorama en el País Vasco, pero en realidad no me importa nada. Me parece muy barato lamentarse de la situación, etc. Pienso que cuanto peor, mejor, y que más alimento para la leyenda personal . Yo creo sobre todo en las canciones, en la "obra". Tengo esa manía de correr contra el viento y me gustan las pruebas y los obstáculos. No me considero un músico ni me importan las charlas de los músicos, no me importan las subvenciones ni el candelero. Pero tengo secretas ambiciones, sin embargo: Quisiera escribir "una", solo "una" canción memorable y, aunque me desagradan muchas cosas de este oficio, no creo que vaya a parar hasta conseguirlo, porque cada nuevo disco es una enmienda del anterior, un nuevo intento corregido. Esta aspiración no depende de nadie, sino de mí mismo. Nadie me la puede conceder ni quitar. Está al margen de todo lo exterior y de cualquier coyuntura. Pensar lo contrario quizá alivie la frustración, pero es engañarse. Esa es la grandeza: Soledad y trabajo. Sé que suena a fanfarronería, por eso intento hacerlo lo más discretamente posible, sin ruido, sin ostentación, porque hay muchísimas posibilidades de fracaso. Y en este caso tampoco importaría nada si lo miras con distancia.

K- Si pienso en tu trabajo no me viene a la cabeza la palabra melancolía. Al menos no antes que otras como serenidad, templanza, vitalidad, lucha. El mensaje me da vida, más que restármela. ¿Qué opinas?

R- Eso que dices es una novedad muy agradable y muy valiosa para mí. No lo había pensado nunca y por eso te agradezco que te hayas tomado el trabajo de poner nombre a las sensaciones que te producen esos discos míos. Tras un concierto, la mayoría de la gente te agradece las canciones que ha escuchado, pero pocos saben expresar con un concepto abstracto lo que transmiten. Yo no te puedo dar mi impresión porque la opinión del autor es siempre la más superficial y la más descolocada de cuantas opiniones se pueden escuchar por ahí.

K- ¿Es el rockero intelectual desconocido una especie de filósofo estoico de nuestra época? ¿Sirve de algo esa especie de función de francotirador, de contrapunto ético en un mundo rapidísimo y dominado por lo prefabricado?

R- Bueno, ese es el viejo debate que discute si el arte debe ser socialmente comprometido o debe responder tan sólo ante el arte mismo. Me parece que en una democracia ultraliberal como la nuestra, en la que los mensajes caen diariamente por millares en cascada, de muy poco sirve un estribillo de canción pretendidamente subversivo, precisamente porque el sistema adopta también lo subversivo. Hay excepciones como el caso de los buenos grupos de hip-hop que tienen miles de seguidores jóvenes y permanecen en la sombra, o el caso de las sentencias contra Sociedad Alkoholica, etc. Pero bueno... el rock no debería ser intelectual, en principio. El rock es diversión y energía inconsciente. No debería hacer pensar, sino emocionar. A mí, personalmente, me gusta cantar cosas suaves, románticas, que tengan calado y profundidad, pero también me gusta "aberrar" como decía Poch. Me gusta maullar y ladrar en público. Apretar el pedal de distorsión y sentir cómo se parten las cuerdas de la guitarra. Creo que la mezcla de las dos cosas es lo ideal. Un concierto entero de Caetano Veloso puede ser agradable al principio pero nuestra cultura es rockera y algo se echa en falta. Del mismo modo, un grupo de speed-metal tocando en una catacumba puede llegar a ser la cosa más aburrida del mundo.

K- Hay muchos puntos de vista sobre el amor en tus canciones. ¿Cabe todo en la misma persona o hay estudios de otros caracteres en lo que escribes? ¿Son los tuyos álbumes conceptuales sobre el amor?

R- Vale la pena cantar a las mujeres, al erotismo, a la belleza... Rechazándolas o llorando por ellas, las mujeres son lo mejor que te puede ocurrir en este mundo, y además funciona muy bien en las canciones. Es difícil hablar del vino, por ejemplo, o de los amigos y las borracheras. Es difícil hablar de la Naturaleza o de la opresión social. Sin embargo las canciones de amor siempre se dejan escribir con facilidad, y cualquiera las entiende y se identifica, porque "le ha pasado" o imagina que le puede pasar. En cuanto a los álbumes conceptuales, algún periodista dijo que "Harresilanda" era una historia "completa" pero yo no diría eso. Es verdad que hay unidad, lo mismo ocurre con "Planes de fuga", en el que abundan canciones rabiosas de desamor, pero una colección de canciones no es cosa tan premeditada, sino que depende más de la casualidad, de la mayor o menor fortuna de las composiciones con las que cuentas a la hora de incorporarlas a un nuevo disco.

K- ¿Cuál es tu primer recuerdo relacionado con la música?

R- Mi padre tocaba en un cuarteto de boleros a imitación de Los Panchos, y sabía acompañarse y cantar tangos de Gardel. El me enseñó los rudimentos de la guitarra y en casa siempre hemos tenido dos o tres clásicas. Con mi hermano Iñaki sacábamos los acordes de Velvet Underground frente al tocadiscos y hacíamos experimentos de sonido con pastillas enchufadas al ampli hi-fi. Mi madre nunca se opuso a las reuniones musicales en casa con el volúmen al máximo. A los trece años me compré mi primera eléctrica, una Hofnner que aún hoy utilizo en los conciertos. Después de esto ya vienen las primeras escaramuzas con José Puerto e Iñaki de Lucas, amigos de la infancia, los tres vecinos de la misma calle, y con los que formé mi primer grupo, allá por el 78, con 15 o 16 años.

K- Como se ve la "profesión" a los cuarenta y pico. ¿Es la música algo que se puede dejar o algo inherente, una necesidad de expresión que permanece, se quiera o no?

R- Precisamente tuve una cena hace poco con José Puerto y me reprochó que "aún continuara" componiendo canciones y actuando. Me lo dijo en broma, pero muy seriamente, y yo le comprendí muy bien. Quizá el rock sea una cosa pasajera de juventud, algo que necesita de un ego desatado y exhibicionista, y la atención constante de los demás, reclamando cariño y honores, lo cual puede resultar muy pesado y poco pudoroso. Puerto me dio que pensar y el resultado es que "no sé" qué pensar. ¿se hace por inercia? ¿hay una necesidad de expresar algo? ¿es el rock un arte, o es un oficio como otro cualquiera? Un gesto espléndido es el del artista de talento que abandona para siempre en cuanto se siente un poco manido. Dejarlo en la plenitud, cuando aún dura la efervescencia, renunciar con desdén, como si no significara nada y quedarse oculto en la sombra. A la manera de Rimbaud. Eso me gusta mucho, me parece admirable, pero por alguna razón a mí me siguen viniendo ideas y proyectos. Me siguen viniendo pensamientos
peregrinos dictándome el primer verso, el estribillo de regalo que luego debo completar con trabajos forzados, la sucesión bonita de acordes a la guitarra... ¿debo intentar atrapar "eso" o simplemente mirarlo y dejarlo marchar? Tengo que reflexionar acerca de todo esto.

K- Suelo dividir a los músicos en los que tienen una cualidad curativa y los que no. Creo que tu la tienes. ¿Cuál es para ti la función principal del arte, suscitar preguntas, espolear la sensibilidad, producir belleza, curar?

R- Tu teoría sobre la curación me parece de mucho alcance y muy clarividente. Yo no tengo ni idea. Supongo que el arte tiene que ver con el placer de los sentidos, con la voluptuosidad, no solo con la belleza porque también me doy cuenta que hay un arte del "feísmo" y de lo monstruoso, de lo estridente si hablamos de música. ¿Pues qué otra cosa ocurre sino en un concierto punk? Pero... ¿la muchísima gente a la que le gusta, por ejemplo, George Brassens, un cantautor monocorde con su sola guitarra? Entonces quizá haya que pensar que el arte también debe ir dirigido a la inteligencia, sin que intervenga para nada la epidermis. Es muy complejo. No sabemos lo que ocurre en una tarima iluminada con focos de color ámbar, pero es evidente que "algo" sucede y nunca dejará de hacerlo.

K- ¿Cuál es el papel que le das al humor en tu arte? A mi particularmente "Jaime Gil de Biedma" me parece un chiste genial en su rareza.

R- Sí, la canción "Jaime Gil de Biedma en la cama" está claro que es una broma. En realidad yo intenté escribir dos estrofas acerca del poeta, pero todo resultaba demasiado vulgar, excepto su nombre y la coletilla "en la cama" que no tiene importancia ninguna. No diciendo nada, no acotando, no dando pautas, se pueden sugerir muchas cosas libremente y hacer un simple guiño a la inteligencia del que escucha como lo hacen los truhanes. Esa es la broma. Es solamente un juguete.

K- ¿Qué significa para ti la palabra Rock&Roll?

R- Es... una identidad profunda, un fondo insobornable, una marca indeleble, algo digno de guardar lealtad. Espero no desencaminarme nunca.

K- Llevas cuatro años sin disco. ¿Hay algo en marcha?

R- Como no tengo compañía discográfica ni presión de un público, voy sacando los discos cuando puedo y sólo gracias a la generosidad de Iñaki de Lucas y su socio Alberto Sánchez que me permiten grabar en el estudio sólo a cambio de la amistad. Además, no quiero quejarme, pero tengo que hacerme cargo yo solo de todos los aspectos, promoción, página web, contratación de directos... Cuando ocurre esto parece que la composición se queda en segundo plano. Pero bueno, tengo ya los bocetos de una nueva colección de canciones que quiero ir desarrollando a lo largo de estos meses de 2007. Si para fin de año he reunido las suficientes canciones me gustaría grabarlas hacia navidades. No me hago planes. Necesito 12 canciones excelentes y eso no tiene plazo. Una vez con el material ya veremos.

K- Influyen los escritores en tu música. Me refiero a Baroja, Gil de Biedma y compañía. ¿Cómo? ¿Hay algún libro, escritor o estilo que de algún modo se pueda comparar con tu trabajo?

R- No creo que influyan mucho. Por lo menos de manera consciente, no. Me gusta leer y releer sobre todo a Pérez Galdós y a Baroja. Ambos son adictivos y si empiezas es vertiginoso. La literatura, incluso la poesía, es un lenguaje muy diferente al de la mera canción, donde siempre funcionan mejor las coplillas de cuatro versos simples y cortos que los sonetos, por poner un ejemplo de composición más literaria. Cualquiera puede musicar poesías de grandes autores pero debería comprender que esa música debe estar como mínimo a la altura misma del poema. De lo contrario es muy poco coherente, y muy sinvergüenza, por cierto. Es mejor abstenerse si no lo tienes claro. Un grupo de pop o de rock tiene bastante con escribir una pieza que sea bonita y cuyo único mensaje sea, por ejemplo: "cariño mío, eres terrible/ eres un animal salvaje" o algo por el estilo. Eso es lo nuestro. Porque a menudo en las canciones importan únicamente los estribillos. Si estos son una unidad inteligible, autónoma, independiente de lo que digan las estrofas, entonces la canción es apenas la búsqueda de una una frase brillante y nada más. Pero aplicada a una melodía afortunada esta simpleza obra milagros misteriosamente. Y grandes dividendos.

K- ¿Quiénes son tus letristas favoritos españoles de todos los tiempos y por qué?

R- No son españoles. Lo primero que me viene sin dudarlo: las letras de los tangos viejos. En la edad de oro del tango, hasta el año 35. Y no es el famoso Discépolo el que más me gusta, que también, sino Enrique Cadícamo , autor de Ventarrón,Muñeca brava, Anclao en París, o Madame Ivonne, entre muchos. El mismo Le Pera, Enrique Cadícamo, etc. De aquellos años tampoco se quedan cortas las letras de los sainetes y vodeviles españoles que suelo escuchar en Radio Clásica. No sé los autores pero son textos muy frescos y con pellizco. Por decir alguien más cercano a nosotros, es admirable el Serrat de la primera época, sí, el Serrat de entonces, más romántico y más dramático, antes de hacerse progre. Pienso también en la poesía emocionante y sencilla de Lole y Manuel, y del flamenco en general... y en el Rock, me gustaban mucho y qué pena, las canciones de Eduardo Benavente y su "Parálisis": "Me miro en el espejo y soy feliz", "El acto".... Me gusta mucho Berlanga y Canut, con su fina ironía tan inteligente, Auserón también es indudable que escribe bien... Por decir algo más actual, me gusta mucho y me quedo admirado de cómo escriben las bandas españolas de hip-hop que escucho en radio-3. Ahí existe un mundo oculto muy muy interesante, y me río yo de los nostálgicos que entrecierran los ojos, levantan la barbilla y dicen que "ya no es lo que era".

K- Tres ciudades que hay que conocer y por qué

R- Voy a decir tres españolas: Madrid, porque las novelas que a mí me gustan transcurren allí y porque aún existe el Café Gijón, el café Barbieri y el Café Comercial de la glorieta de Bilbao, y en ellos se puede sentir aún el fantasma de la bohemia antigua. Y por el carácter maravilloso de los madrileños. Sevilla, por la alegría de vivir, la manzanilla en las tabernas y las plazas llenas de chicas guapas. Irún, en la frontera con Francia, porque allí me he sentido libre entre la gente estos últimos años, y he descubierto que aún existe el "pueblo", el pueblo con mayúsculas, paseando por las calles, a diferencia de San Sebastián, donde la burguesía de siempre y sobre todo la nueva, los "venidos a más", han arrasado con todo vestigio. Sencillamente han convertido San Sebastián en un "mall" comercial de temperatura programada.

K- ¿Qué hay después de la muerte?

R-Como decía muy aprensivamente Jorge Luis Borges, tengo la esperanza de que
no haya nada. Olvido

lunes, agosto 20, 2007

Please... Let me introduce my FUCKING self (Entrevista con MARGARITA)


El Maestro debio de confundirse aquel día y bajó a un parque madrileño en lugar de moscovita. Margarita llevan años siendo una realidad tan oculta como indiscutible. Sus demoledores directos, aunque a menudo fugaces, y un puñado de temazos de áspero expresionismo punk los confirman como la más real de aquellas supuestas "promesas" (algunas, no todas, eran bandas perfectamente cuajadas que llevaban tiempo trabajando) que se hacinaban en el tan traído y llevado recopilatorio "Madrid Terminal". Si recuerdas con nostalgia la época en que Jesus Lizard, Girls VS Boys, Melvins, o Mudhoney descalabraban el underground a coletazos, quizá una exposición a su marginal y quirúrgica furia te haga recuperar un poco de esperanza. Grandes por derecho.


KAPUT- En un artículo de Rockdelux de hace un tiempo alguien decía de vosotros que teníais el mejor directo de Europa. ¿Qué ofrece Margarita en directo que los diferencie de una grabación?

Coque (batería)- Simplemente es mas facil conseguir un sonido que nos guste en directo que en estudio ademas de todo lo que conlleva el directo

Hugo- En directo creo que hay más vértigo que en una grabación.

K- ¿Lo de hacer conciertos cortitos es intencionado, para dejar a la gente con ganas de más?

C- Es la manera que tenemos tocar nuestras canciones en directo sin mas, no cortamos repertorio para que sean 30 minutos ni nada de eso, pero si es verdad que algunas veces la gente te pregunta lo mismo que tu ahora.

H- No es intencionado. A veces es lo que hay y otras es porque creemos que así está bién y empezamos a tachar canciones del setlist, aunque cuando esto pasa, es que esas canciones ya no molan.

K- Siempre se habla de escenas. Por ejemplo: «La escena underground de Madrid». Está claro que en Madrid existen bandas para parar un tren, pero ¿creeis que existe una escena o escenas, es decir, nucleos cohesionados que interactuan y forman una especie de red o aquí cada uno va más bien a su bola?

C- Bueno creo que los grupos tocan entre si según la amistad que les una o la misma manera que tengan de ver algunas cosas, lo que no creo es que existan escenas ni nada de eso en un pais donde si quieres tocar o hacer algo te lo tienes que montar tu y no puedes estar mirando que si toco con uno o con otro segun me guste su estilo o ese tipo de cosas.

H- La verdad que explicado así, te digo que sí que hay grupos de gente interactuando y tal, pero como eso de la escena madrileña ha sido algo que lo han quemado tanto... ya no sé ni lo qué pensar.

K- Participasteis en dos recopilatorios que pretendían explotar la existencia de esa supuesta escena underground ("Madrid Terminal", de Subterfuge y "Cómete Madrid", de BCore). ¿Cómo fue? ¿Sacasteis algo en limpio? ¿Sentís que teneis algo que ver con el resto de bandas que estaban ahí?

C- Bueno fue algo diferente, una ocasion en la que alguien se interesa por lo que haces y se anima a sacarlo sin que lo tengas que pagar pero si me preguntas por si sacamos algo en claro pues te dire que además de uno o dos conciertos, no se aprecia ningun cambio considerable. Y sí esta claro que algo tienes que ver con los demás grupos que salieron en los recopilatorios.

K- A veces me da la impresión de que las bandas son demasiado reacias a mezclarse entre si y que terminan haciéndose guetos (los metaleros con los metaleros, los poppies con los poppies, etc...). ¿Creeis que es bueno o malo? ¿Tiene solución?

C- Yo creo que no, Margarita ha tocado con grupos que no tienen nada que ver con nosotros en lo musical.

K- ¿Qué aporta cada uno de los miembros a la banda? ¿Componéis conjuntamente o por separado? ¿Hay conflictos?

C- Componemos entre todos en el local, aunque eso no quita que alguien venga con una idea muy clara y que se intente hacer tal y como el quiere. Se prueba y si queda bien pues adelante , si no pues como todo te quedas con algo que resulta y lo desarrollas. No tenemos luchas de poder si te refieres a eso. Seria estupido.

H- Yo creo que si uno de nosotros dejase el grupo, no podría ser igual y por lo tanto no tendría sentido seguir llamándose Margarita. Cada uno aporta su estilo, por supuesto, pero también su filosofía de vida a la hora de tocar. Conflictos... ¡Pues claro!

K- ¿En que situación estaría Margarita si en lugar de madrileños, fueseis de Nueva York o de Seattle o algún sitio así?

H- No sé qué contestar a esto.

C- Pues no lo se. Supongo que tocarariamos en NY, Ohio y Milwake ja,ja,aj .. Pero no creo que cambiase mucho a la hora de hacer las cosas, Solo que votariamos a bush en vez de a aznar.

K- ¿Cómo será el LP, cuál es vuestra intención? ¿Habrá novedades con respecto al sonido que habéis venido trabajando?

H- Creo que el LP será un pelín diferente. Canciones más rápidas, estamos probando a cantar de manera diferente, aunque seguirá sonando a nosotros.

C- Es pronto para hablar de LP , estamos trabajando en ello y creo que va por buen camino en una linea acorde a lo anterior, las canciones nos molan pero en cuanto al sonido tendras que preguntarnos despues de haberlo grabado.

K- Está claro lo que empuja a uno a meterse en esto y montar bandas, pero ¿qué es lo que os empuja a seguir una vez llegados a cierta edad?

C- Pues el poder hacer algo como realmente quieres es la razon y no creo que esto cambie con la edad.

H- A mi me mantiene la necesidad de hacerlo.

K- En nosedonde os definían así: «cuando Devo meets los Sonyc Youth y bailan con Deerhof». ¿qué opináis?.

C- Que vaya lio ¿no? Bueno es bonito que te idenifiquen con algo que has escuchado y que te guste porque alguna vez nos han comparado con algo que ni siquiera conociamos y una vez escuchado nos quedamos un poco sorprendidos.

H- Qué la gente es muy maja.

K- ¿Os considerais una banda «intelectual» o no (entendiendo que intelectual en el rock viene a ser, digamos, Sonic Youth y no intelectual Chuck Berry)?

C- es un poco pretencioso hablar de eso pero tenemos mas que ver con SY que con Chuck Berry, aunque Chuck es un jefe también.

H- Aquí no se piensa, se hace.

K- ¿De qué van vuestras letras? ¿Tienen alguna importancia, teniendo en cuenta de que nadie se va a enterar de lo que dicen?

H- Pues las que hago yó van sobre todo de las ciudades. Las que Hace Harry, de la relación con las mujeres. Y las que hace Pesquera, de la cárcel. La verdad es que si que tienen importacia.

K- ¿Cuáles son vuestros primeros recuerdos relacionados con la música?

C- Los mios las bandas de metal que mis hermanos escuchaban a todas horas y los videoclips del tocata

H- El mío es escucar a los Beatles y el "Do you think I'm sexy" en el R5 de mi padre.

K- ¿Qué opinan vuestras familias de lo que haceis?

C- No se lo he preguntado pero creo que lo mismo que yo mientras me guste.

H- Pues no lo sé. Tampoco se lo quiero preguntar.

K- Bandas interesantes de Madrid ahora mismo (respuesta razonada si es posible)

C- Pues despues de la desaparicion de campamento que eran los master del universo me quedo con Cohete que todavia no entiendo como nadie va a por ellos de cabeza. Ademas de ellos Bicicross, Punsetes, 5 Cobras, Tetris.........

H- Cohete, porque tienen megahits y tocan como nadie. Bicicross, no sé explicarlo, pero me encantan. Grabba Grabba Tape, por todo. Moho, uffff, les vi en directo y flipé. Punsetes, tienen canciones muy chulas. Rosvita, les vi hace poco que no les conocía y me gustó mucho el concierto.

K- Influencias musicales. Particularmente siempre me habéis recordado un poco a los Jesus Lizard por la mezcla de control y salvajismo. (Pero es que los lizard son una manía particular mía).

C- hombre los lizardos eran un punto de referencia como cualquier grupo que hayas escuchado y te guste, pero todo te influye de cierta manera. Los gustos musicales varian entre nosotros desde baron rojo hasta justintimberlake * flipa *

H- Mi influencia principal es el movimiento tropicalista, Sebadoh, The Beatles, Les Savy Fav, Archers Of Loaf, Wipers, John Frusciante, The Replacements, Mission Of Burma, Depeche Mode, Brian Eno, Pixies, Van Dyke Parks y muchos más.

K- ¿Influencias no musicales?

H- Pues eso, las ciudades, las personas, la buena literatura, los olores, ver a la gente fumar y la suela de los zapatos.

K- ¿Hay algún tipo de postura política en lo que haceis?

C- No

K- ¿Viene realmente el nombre de la banda de «El Maestro y Margarita» o me lo he imaginado?

H- Viene de ahí.

C- Si viene de ahi pero no lleva un tranfondo mistico-filosofico ni nada, simplemente nos gusta como suena y ademas desorienta un poco al que lo oye por primera vez no?

K- ¿Existe algo más grande que el ego de un músico?

C- No se si es ego pero cuando creas algo bonito no hay nada que lo supere , esto transladandolo a la musica y a tu grupo en particular... es muy lapolla

H- La buena música de un músico sin ego.

K - ¿Qué hay después de la muerte?

H- El IKEA.

C- Obviamente Dios.

lunes, agosto 13, 2007

FLIPANDO EN LA PRADERA (Entrevista con BUFFALO KILLERS)


Peludos y vitalistas hippies del nuevo milenio, el trío de los hermanos Gabbard se sitúa en el hipotético cruce entre el garaje psicodélico más impulsivo (Screaming Trees, 13th Floor Elevators), las grandes bandas madre de los 60/70 (The Band, Creedence Clearwater Revival, Lynyrd Skynnyrd) y sus secuelas más afortunadas (Black Crowes, a los que telonearán en su gira otoñal de este año). Su excelente primer trabajo ("Buffalo Killers" - Alive Records) ya ha sido reseñado en este blog. Ahora, el bajista y vocalista Zach Gabbard nos da su visión del asunto.

KAPUT- ¿Os sentís parte de una tradición musical? ¿Qué añadís a ella? ¿Hay algo en lo que innoveis a partir de la raíz?

Zach Gabbard- Me siento parte de una tradición musical porque usamos instrumentos para crear sonido y música. Nuestro sonido es Rock&Roll terrenal con conocimiento del pasado y un oído en el futuro. Creo que mucha gente piensa que somos derivativos porrque no sonamos como las bandas de rock modernas, con pitidos urbanos salpicados aquí y allá, pero no creo que eso nos haga derivativos. Usamos instrumentos antiguos para crear un sonido nuevo.

K- Vuestra música tiene un sentimiento natural y arcaico. Cuando la oigo me siento como si estuviese en medio de la pradera hace doscientos años.

Z- Estás flipándolo y si tu hubieses estado en una pradera y nosotros hubiésemos estado tocando guitarras eléctricas en 1807, entonces si lo hubieses flipado de verdad.

K- ¿Realmente piensas que hay más cosas interesantes sucediendo ahora que en los sesenta, como decís en una canción?

Z- Creo que atribuimos un excesivo glamour a los sesenta porque admiramos la voz que todos tenían y se atrevieron a usar. Actualmente mucha gente se silencia a si misma porque no creen que tenga ningún sentido gritar sobre lo que no está bien en el mundo de hoy. Muchas más cosas interesantes sucederían si la gente usara su voz... y realmente lo necesitamos.

K- ¿De qué van vuestras letras? ¿Cómo os acercáis a los temas?

Z- Nuestras letras hablan de la vida y el amor y los escollos de ambos. Nos aproximámos a esos temas levantándonos cada mañana.

K- ¿Cuáles son tus primeros recuerdos relativos a la música?

Z- Mi padre tocándonos la guitarra cuando éramos niños y escuchar discos desde que mi memoria alcanza. Los fines de semana mi padre traía a casa a sus colegas de curro y se sentaban a jugar a las cartas, fumar maría y beber cerveza, y todos los chavales andaban alrededor mientras Neil Young, John Prine e innumerables otros se iban rotando en la banda sonora.

K- ¿Cómo es currar con un hermano? ¿Entendeis la banda como una familia?

Z- Mi hermano y yo trabajamos bien juntos. Es mucho más fácil cuando tienes dos compositores en una banda en lugar de sólo uno. Y tenemos una conexión especial, sí. Creo que somos muy afortunados de poder estar juntos todo ese tiempo. Desde luego, esta banda es nuestro negocio familiar, y Joey es tan familiar mío como Andrew. Ensayamos en el granero en la trasera de la casa de unos colegas, vamos juntos de fiesta, vivimos juntos cuando estamos de gira y tratamos de mantener el concepto de «familia» como el nucleo de esta banda. Estamos en ello juntos a traves de lo bueno y de lo malo.

K- ¿Girais como trío? ¿Qué podemos esperar de vuestros conciertos distinto del disco?

Z- Giramos como un trío. En directo lo damos todo hasta el punto de bajar del escenario y desmayarnos. Mas sudor, tiros y cerveza que en el disco. Aunque tratamos de hacer que el disco refleje el show en directo y aunque la grabación es extremadamente importante, los conciertos son más importantes todavía.

K- ¿Crees que el Rock&Roll conserva el poder revolucionario que tuvo una vez?

Z- Si. El rock&Roll siempre hará que los chavales cojan guitarras y se quejen a grito pelado sobre tener que limpiar su habitación... y luego será sobre limpiar su mundo. La pregunta es: ¿están las masas deseando escuchar -y las grandes publicaciones deseando imprimir- algo que no sea la pura celebridad?

K- ¿Tenéis una postura política? ¿Creeis quie los artistas deben implicarse en los problemas sociopolíticos?

Z- Creo que la gente debería escribir sobre aquello que tenga en la cabeza. No intento ser Bono o Ted Nugent, solo opino que escribes sobre algo o no escribes nada. Yo elegí ese algo.

K- He descubierto muchas bandas americanas potentes en los últimos tiempos. ¿Hay una red undergropund potente o es sólo fuerza de voluntad?

Z- Hay un montón de buenas bandas que simplemente salen ahí afuera y lo hacen, compran una furgona, se autoeditan un álbum o tienen un pequeño sello que lo haga y lo hacen, y van a por ello, y TODO es fuerza de voluntad. Creas tu propia red viajando y conociendo a gente nueva que no podrías encontrar de otro modo.

K- ¿Es intencional ser un trío? ¿Qué ventajas y desventajas tiene?

Z- Es intencional, si. Estábamos en un quinteto previamente y pensámos que era mejor eliminar la grasa sobrante y empezar de cero. Cuando era más joven, siempre tuve tríos. Crecí en eso y quería empezar con lo básico del Rock&Roll: guitarra, bajo y batería.

K- ¿Qué podemos esperar en el futuro? ¿Evolución?

Z- Acabamos de terminar de grabar el nuevo disco con Dan Auerbach en su estudio, Akron Analog, en Akron, Ohio. Es más grande, tiene más enjundia. Es una progresión natural desde nuestro primer disco. Si no progresas, para qué molestarse.

K- ¿Qué viene después de la muerte?

Z- La vida.

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K- ¿Podrías darme tu opinión sobre algunos grupos y artistas con los que os veo relacionados?

-Screaming Trees - Para serte sincero, no sé mucho sobre ellos.

-The Band - Siempre han sido uno de mis grupos favoritos. Es asombroso el modo en que sus canciones pueden transportarte a otro tiempo y lugar. Nuestra anteriuor banda tuvo la oportunidad de tocar con Levon Helm y era asombroso. Se tomo su tiemnpo para firmar autografos a todos los que se quedaron después del concierto y se sentó around and cut it up with us. Fue una experiencia estupenda y el era exactamente como siempre me lo había imaginado. No siempre es así cuando te encuentras con tus héroes. Una gran experiencia, realmente.

-Creedence Clearwater Revival - Maldita sea, ¿como puede un sólo hombre escribir tantas buenas canciones?

-The Beatles - Hablan por si mismos

-The Faces - ¿Cómo pudo Rod Stewart pasar de sert tan cool a...?

-The Black Crowes - Gran banda y gran directo. Recientemente hicimos varios conciertos con ellos y tenemos más contratados. Otro ejemplo de conocer a alguien que es exactamente como te lo has imaginado... Unos tipos estupendos con los pies en la tierra.

-Cream - Me encantan Cream. Crecí escuchándolos. Clapton es Dios

-Mountain - Oigo su nombre cien veces cada vez que tocamos. A veces me pregunto si las comparaciones son por nuestro volumen (físico, N. del A.) o por nuestro sonido

-The 13th Floor Elevators - Fueron una de las primeras bandas de garage en las que me metí en serio, y me volaron los sesos. La primera vez que fuimos a Austin con mi anterior banda, intentamos encontrar a Rocky Erickson y, aunque parezca mentira, su nombre estaba en el listín telefónico. Por supuesto no contestó, pero conocíamos el nombre de su madre y la llamamos, y ella nos dio su dirección. Nos dijo que había estado de compras por tiendas de segunda mano aquella mañana y que nos pasásemos. Llámamos a su puerta; la tele estaba a tope de volumen y al final nos dimos por vencidos. Pero todavía tenemos la página de la guía con su teléfono.

-The Seeds - Nunca he estado muy metido en los Seeds, pero me gustan mucho. Mi antigua banda, The Shams, tocó con ellos en New Jersey. Nuestro guitarrista era un gran Fan de la banda y estabamos muy nerviosos pensando que Sky Saxon no querría saber nada dde nosotros. Acabó sucediento que conectó con nosotros muy bien -ya sea porque le gustamos o porque le gusto nuestra enorme bolsa de marihuana-. Al final de la noche acabamos yo, mi amigo y Sky sentados en nuestra furgona, mirando a través de nueva york, con Sky predicándo sobre la vida y el vegetarianismo. Al final, el resto de su banda lo encontró y lo sacaron de allí, frenéticos. A la mañana siguiente, mientras conducíamos de vuelta a Ohio, encontramos una funda con las gafas púrpura de Sky, rotas. Nuestro viejo guitarrista aún las conserva como un tesoro.

-Neil Young - Neil Young siempre fue el favorito de mi padre. Las primeras canciones que aprendí en guitarra y bajo eran de Neil Young, en la época en la que toqué en la banda de mi padre, cuando tenía doce años. Un favorito eterno.

-Bob Dylan - Nashville Skyline, Desire y New Morning son tres de mis álbumes favoritos de todos los tiempos.

miércoles, julio 25, 2007

PISSED JEANS - "Hope For Men" (SubPop)


He aquí una de esas bandas que en lugar de construir discos parecen levantar insalubres hospitales de campaña donde extraerle a uno las mentiras enquistadas bajo la piel tras demasiados meses de vida en sociedad. Situados musicalmente en algún punto entre Unsane y The jesus Lizard (no tan monolíticos como los primeros, no tan precisos en la técnica de disección como los segundos), el cuarteto de Allentown (Pennsilvannia) se despacha a gusto en diez medios tiempos de punk noise ulcerado y sangrante, con espina dorsal de espástica base rítmica y guitarras de acero quirúrgico. No son excesivamente innovadores, quizá, para los eruditos del tema, pero tienen mala baba suficiente para ahogar en ella a la mitad de la ciudad. Es fácil comprobarlo en unas letras sobresalientes que posan un ojo inquietante y analítico sobre las profundidades de la soledad humana (la del primer mundo que vivimos/sufrimos) y la numantina y fútil resistencia que oponemos a esa soledad. Una improvisada visita al jardín de las delicias del siglo XXI que para sí hubiese querido el muy cretino de Bret Easton Ellis donde se pasa revista a la glotonería ("I Still Got You"), la inane gloria del dinero fácil y el mundo de los triunfadores ("People Person"), las parafilias sexuales ("Caught Licking leather") o la abulia terminal ("My Bed"). Neuras y horrores del sistema actual, en fin, regurgitadas y escupidas en densos trallazos de hardcore broncamente emotivo o gélido, según se vea. Caso de estudio aparte son los dos malsanos descesos a pulmón en la paranoia moderna de "Scrapbooking" y "The Jogger", ralentizadas, reptantes explosiones de alienación e histeria que llevan el disco hasta lo muy notable. Como nausea contemporánea, un diez. //Luis Boullosa

viernes, julio 20, 2007

COBRA SHAKE - ATAVIC BITE (Underground, ¿qué underground?)



No falta quien opina que mezclar churras y merinas no es buen negocio. Peor para ellos. 5 COBRAS y LA FAMILIA ATÁVICA volvieron a discutir esa máxima en el reciente aquelarre sónico celebrado en el Wurlitzer Ballroom. Hubo buena música, checoslovacos psicópatas salvados por la campana, broncas internas a altas horas de la madrugada y finales de fiesta que ya querrían para si los black flag en su época más cutrelux. Si llegas a encontrar la escena underground madrileña, esa de la que los medios generales parecieron ocuparse durante tres días hace un añito y a la que luego devolvieron al ostracismo (¿creíais que ibais a ser famosos, eh, majetes?) y después picas unos metros más hacia abajo, esto es lo que encuentras. La asistencia: Amigos (por compromiso, claro), amantes (idem), un puñado de supporters del barrio del pilar y algún despistado más. Así no hacemos negocio, cierto, pero es que nadie había hablado de negocio. Imagen 1- Julen "Danko" Palacios (La Familia Atávica). Imagen 2- Cowboy Iscariot y Castrus Erectus (5 Cobras), before the storm. Salud...

jueves, junio 14, 2007

UNSANE – "Visqueen" (Ipecac Recordings)


Envejecen los reyes y otros ocupan su lugar. Pero tardan en morir, quizá porque han pasado pruebas que hubiesen acabado con otros a las primeras de cambio. Y pocas cosas hay mejores que una banda todavía en forma que se resiste a la extinción, aferrada con fiereza a sus propias armas y ajena a modas y rollitos. Unsane –trío neoyorquino de guitarra bajo y batería- sentaron hace más de tres lustros las bases de eso que ahora los enterados llaman “noisecore” –junto con otro buen puñado de bandas a reivindicar, Cop Shoot Cop o Today Is The Day, por citar dos clave-. Y lo hicieron con un disco acaso insuperable (“Unsane”, Matador, 1991). Esputos tóxicos desde las catacumbas como “Action man” o “Vandal X” permanecen erguidos como piedras fundacionales de una manera alienada y asfixiante, eremítica si se quiere, brutalmente ascética, de entender el punk. Un punk que definía tan bien el Nueva York oculto como lo podía hacer, en cine, el mejor Abel Ferrara. Nunca volvieron a alcanzar esas cotas de visceralidad, pero siempre consiguieron, en cambio, mantener la dignidad y la devastadora efectividad en directo, y a día de hoy siguen cincelando para solaz de unos cuantos, repetitivos monolitos de ruido y de furia. Leía cosas aquí y allá sobre que su nuevo trabajo era decepcionante y blando. Se llegó a decir en la prensa patria que habían “perdido la honestidad”. Una vez escuchado el engendro, sólo me queda concluir que el crítico era un cretino. En “Visqueen”, los de Chris Spencer siguen haciendo exactamente lo mismo. La diferencia es, sencillamente, de producción: se han quitado capas de distorsión en voces y guitarras y en consecuencia el conjunto suena más espacioso y nítido, pero ha sido construido sabiamente con los mimbres habituales (Spencer lleva haciendo dos canciones toda la puta vida, decenas de dañinos clones con pequeñas mutaciones y miembros añadidos). No es poco, en todo caso, y es comprensible que muchos prefieran la vieja y perversa reververación, pero lo indudable es que, a volumen generoso, salvajadas bicéfalas como “This Stops At The River” (una canción que es la pura esencia de su visión musical) siguen apestando a sótano mal ventilado, a crimen y a esa disconformidad con el mundo en general que, en definitiva, es lo que mueve a los artistas a gritar.// Cowboy iscariot

martes, junio 05, 2007

SANGRE, SUDOR Y DAÑOS COLATERALES (Entrevista con THE TERMINALS)


Lincoln, Nebraska, Culo del Mundo. Desde allí nos llega lo último en vómito sónico con tropezones de Rock&Roll y garaje psicótico. «Forget About Never», el primer disco de The Terminals, suena más parecido a una manada de chacales disputándose tus tripas que a una carta de presentación discográfica al uso. Y eso, a veces, es de agradecer. Lizz Hitt, vocalista, nos cuenta el porqué de tanta aberración.

Algunos críticos ven blues, soul, gospel y garaje en vuestra música. Yo veo el garaje (o la catacumba) y quizá algo de blues corrompido, pero ni rastro de soul o gospel, ¿me equivoco?

Hay una cierta cantidad de «stomp-gospel» en algunas de las canciones, así que estaría de acuerdo con lo del elemento gospel, pero no se de donde saca la gente la etiqueta de «soul», tenemos un par de falsas canciones «doo-wop», pero no en el disco. Creo que esos términos se utilizan mucho de manera aleatoria porque suenan bien. Queda claro que etiquetas como «garaje», «soul» o «thrash» ya no significan gran cosa.

¿Hay algo más interesante que hacer en Lincoln (Nebraska) que formar una banda? ¿Cómo ha influido en vuestra música el lugar en el que vivís?

Bueno, es extremadamente barato vivir aquí, así que nos mudamos y nunca volvimos a salir. Ahora tenemos una casa en propiedad y trabajos, así que estamos atrapados. Empezamos a dar conciertos, luego arrancamos un sello discográfico y trajimos a grabar a bandas para hacer todo lo posible para que distintos grupos pudiesen venir a la zona a tocar, grabar un disco, conseguir algo de dinero para la gasolina... normalmente de nuestros bolsillos. Lincoln no ofrece gran cosa en lo que a sonidos rompedores se refiere, así que tenemos que importarlos. En cuanto a la influencia... es difícil decir como fuimos a parar hasta la música que ahora escuchamos habitualmente. Supongo que habría que echarle la culpa a internet, que ha hecho las cosas tan accesibles. No hay acceso al verdadero Rock&Roll en Lincoln, quizá en Omaha, que está cerca y donde hay bandas que están bien más habitualmente. The Oblivians aparecieron en los noventa, pero yo no vivía aquí en aquel momento, así que me lo perdí.

Podría parecer que vuestro disco no tiene apenas producción. ¿Cuál fue la importancia del productor en la consecución de vuestro sonido?

Nunca podríamos haber hecho que el álbum sonase como suena sin la mano de Andy. Brooks hace la grabación y de ingeniero, también, y ha tratado de duplicar el mismo efecto sin suerte. Andy sabe como montarla de puta madre. Es un verdadero talento.

¿Cómo veis la situación del underground en Estados Unidos? ¿Hay buenas bandas en vuestra zona?

El “underground”, si hay tal cosa, existe todavía pero está muriendo de inanición. creo que se ha convertido más en una comunidad que lo que era en el pasado. Es mucho más fácil ponerse en contacto con gente a la que le guste el mismo rollo, apañar bolos, conversar, alternar o lo que sea, gracias a internet. Hemos acabado encontrando a algunos otros en nuestra área que coinciden con nuestros gustos y unas cuantas buenas bandas han surgido de esos encuentros. Nuestro pequeño círculo incluye a The Shanks, Brimstone Howl, nosotros, claro, The Forbidden Tigers, The Spread Eagles, the Alrightees (viven en un estado vecino) e incluso hemos incluido a Benji, de los Creteens (de Paris, Francia) en nuestro enfermo y pequeño mundo. Hay un montón de grandes bandas ahí fuera, pero sin esa comunidad que se ha formado nunca hubiésemos sabido que había otros gilipollas como nosotros por ahí. Odio admitirlo, pero el foro de Goner Records es donde he conocido a mis mejores amigos y a mis bandas favoritas.

Me encanta vuestro disco, pero lo veo como lo opuesto a una colección de "singles", como una marea contínua de sonido. ¿Es intencionado?

Bueno, de alguna manera fue intencionado... pro sólo porque ninguna de las canciones del álbum son realmente material de «single». No escribimos muchas canciones pop. Sólo ruido alto y rápido, así que el disco no podía ser de otra manera. Creo que si tiene una continuidad es porque lo hicimos entero en una semana. Grabamos durante dos días en un bar de blues vacío y Andy trabajó con su magia sobre él.

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¿De qué hablais en las letras y como os aproximais a esos temas?

La mayoría de las canciones son sobre herir a gente (física o emocionalmente) por alguna razón. Somos gente muy maja, honestamente. Si no es eso, sexo ilícito en callejones en la trasera de bares, corazones rotos, ya sabes, lo habitual.

¿Cuál es el principal sentimiento que subyace en la música de The Terminals?

Creo que es la frustración; es un diario de gente loca imaginaria, mendigando violencia física... o sexo... ¿o sexo violento? Es difícil de decir.

¿Cuáles son vuestras influencias no musicales? ¿Películas de terror? ¿Viejos cómics? ¿ciencia ficción pulp? ¿la vida salvaje? ¿el sexo prehistórico?

El sexo moderno es lo bastante inspirador para mi. La bebida ayuda, también. Sólo queremos que la gente nos preste atención, y subir al escenario y ser la cosa más ruidosa en 50 yardas a la redonda parece funcionar.

¿Qué significa para vosotros la palabra Rock&Roll? ¿Consideras a los Terminals una banda punk?

Punk rock es, probablemente, una palabra aceptable, pero no siento que esté tocando en una banda punk. Siempre he considerado lo que hacemos simplemente como Rock&Roll, nada más. Cómo le suene a la persona que lo escuche le suene diferente, y estoy seguro que somos más abrasivos que Chuck Berry, pero para mi todo es lo mismo. El Rock and Roll es sólo música para divertirse; hay quien dice que va de bailar, beber, las drogas o el sexo, pero si te metes en el asunto, todas esas cosas encajan en la categoría de «diversión». O si «diversión» te suena demasiado pasado de moda, podrías decir «fucking fun», que captura el espíritu.

¿Qué hay después de la muerte?

Bueno, Jesús y yo tenemos un acuerdo, así que se que molará mucho, aunque aún no conozco los detalles específicos. Ya te lo haré saber.

Dame tu opinión sobre algunas bandas que veo relacionadas de algún modo con vosotros.

The Cramps - Creo que son realmente divertidos, pero me gustan pese a su basura teatral, no por ellat. Sería mejor para mí si simplemente dejaran de ser tan jodidamenre «únicos». Pero eran los ochenta y la gente se aburría... lo entiendo. Su música es cojonuda.

The Sonics - The Sonics son la esencia de lo que el Rock&Roll es para mí. Directamente hacia delante sin vacilaciones ni giros. Gerry Roslie es mi voz favorita del Rock&Roll.

The Seeds - bandas como los Seeds son el verdadero Rock&Roll y la locura ambos mezclados en uno. Iban tan puestos de LSD que no creo que se diesen cuenta de lo impactante que era su comportamiento, así que sus numeritos no son tan molestos como pueden serlo los de las bandas de Rock&Roll teatral. Eran tan estúpidos que era asombroso y sobrecogedor. Puedo hablar por toda la banda cuando digo que amamos a los Seeds. Una pena que no seamos capaces de escribir canciones así.

The Velvet Underground - Aparecieron en el momento equivocado. Lou Reed nunca fue lo suficientemente guapowere para escaparse con ropas de mujer. Disfruto de muchas de las canciones de VU por lo que valen pero en conjunto nunca he sido una gran fan de la banda.

The Dwarves - El punto justo de abrasión y luego mucha más abrasión. Ninguna banda me ha hecho desear joder todo lo que tengo a la vista como los Dwarves. ¡Incluso consiguieron que me gustase la música techno! Blag Dahlia es un genio.

miércoles, mayo 23, 2007

BUFFALO KILLERS - "Buffalo Killers" (Alive Records)


«Olvidémonos de los 60/Hay más cosas sucediendo ahora», cantan, no sabemos si irónicamente. Cachorros pero ya fogueados en bandas con cierto renombre local, los tres cazadores de Búfalos de Cincinnati (Ohio, noreste de los Estates) son jóvenes e impetuosos aunque amantes de una tradición que demasiados reivindican sólo de boquilla. Y lo demuestran en un disco de debut tan agridulce y agreste que parece haber sido creado en el mismo corazón de la pradera. A primera escucha es evidente que recogen el rastro de los magníficos Screaming Trees en sus mejores cosechas («SS Nowhere» muy en concreto, y todo el disco, en general). Un rato después, se hace evidente que su psicodelia pesada con algo de rock sureño y blues cabezón suelta lastre y remonta un gracil vuelo planeador gracias a acertadas inyecciones de Beatles y Faces, revisitando la herencia del garage ácido americano con aplomo y acierto en un viaje de ida y vuelta a la visión inglesa del rollo. Así, regios, desastrados, sanguíneos, peludos y vitalistas, los hermanos Gabbard (Bajo, guitarra y voces) y sus acompañantes (en principio el batera, aunque hay teclados ocasionales) cincelan un disco espacioso, de potencia animal contenida e indudable sensibilidad. Construido con mimbres sencillos pero habilmente trenzado, como una tienda india, el sonido que levantan es frondoso en su simplicidad: el bajo mandando, las guitarras incrustradas con ácida maestría y medido uso de los efectos y las melodías en estado de gracia. Como bien apunta mi dealer musical, algunas de las tonadas (especialmente «River Water») hacen comer polvo del desierto a unos Black Crowes cuya visión original se acercaba a la de los Killers, si bien era más manierista y marcadamente sureña. En general, se mantienen orgullosos junto a todos esos grupos cuya aproximación a la mezcolanza de estilos que hemos dado en llamar Rock&rRoll es lo suficientemente pura para que nadie la tache de revival. Además, son suficientemente gordos para no salir en los panfletos de moda, y Alive Records, incomprensiblemente, no tiene distribución en España. Así que, si es el caso, recuerda que te los presenté yo y cuando me veas invítame a una copa. Pequeña-GRAN banda. //W.B. Hitchcock

martes, mayo 15, 2007

WILLIAM ELLIOTT WHITMORE - "Song of the Blackbird" (Southern Records)


Aunque en principio no debería tener nada que ver, el delicioso "Dry", tema que abre el disco, me recuerda a Bob Marley en sus momentos más relajadamente íntimos. Quizá ese ritmo contrapelado marcado por la guitarra (o es un banjo... ¡demonios!!!), el único instrumento que le hace falta a la rugosa voz de Whitmore para transportarnos a mucho tiempo atrás. Y es que el álbum es un muy apreciable trabajo conectado con la música tradicional americana, ya sea el rock sureño ("The Chariot"), el blues arcaico, profético y chaveta en el que también se mira Tom Waits ("One Man´s Shame"), el hillbilly ("Lee County Flood") o el incunable folk diluviano hacia la que Dylan marcó la senda en sus dos discazos arqueológicos "Good As I Been To You" y "World Gone Wrong", pero en este caso con composiciones propias, lo que le da un valor añadido. Recia instrumentación, construida con escasos pero resistentes mimbres ampara esta exhibición de sobriedad, sabiduría y buen hacer. En las fronteras del primer rock, cuando la música contaba pacientemente historias de desgracias reales, amores reales y otras catástrofes naturales, pero hecho ahorita mismo. Excelente. // Pecador de la Pradera

SCOTT WALKER – “The Drift” (4AD)


Lo primero que se me pasa por la cabeza al intentarlo con el nuevo de Scott Walker es que necesitaría al menos un par de meses de escuchas ocasionales para ir dejando que su oscuridad me permease y decidir si es un gran disco o sólo un intento extremadamente ambicioso de serlo, por la vía de lo retorcidamente poético y la orquestación minimal, de la reflexión sobre los pánicos ocultos de occidente y el humor negro muela. Un trabajo extraño que chirría e intriga al tiempo, como si a “Bone Machine” de Tom Waits le hubieran extirpado la energía y el delirio socarrón para dejar tan sólo la contemplación de la miseria misma en la terminal playa de grava de la vejez. Reflexiones libérrimas e impenetrables a partir de personajes laterales e inquietantes (Clareta Petacci) o centrales y no menos inquietantes (Elvis, hablando con su hermano gemelo muerto) puntean el desolado y amenazante paseo que a veces se adentra en una especie de baja fidelidad industrial y donde la monótona y enervante letanía de Walker se emplea a fondo en no tomar prisioneros. Disco perfecto también para que los popes musicales dicten su eterna y elitista lista de referencias cultas (¡venga, esa cultura!!!). Prometo recogerlo cuando mi ánimo sea más crepuscular (no tardará), ponerme de fondo “El Hundimiento”, de Olivier Hirschbiegel, y hacer un segundo comentario más extenso. El esfuerzo artístico lo merece, aunque sea para ponerlo a parir. I´ve seen the present, brother, it is murder. // Peggy Fu.

lunes, mayo 07, 2007

Demons Claws - "Little Satan´s Pet Pig" (In The Red)

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Hay mujeres que permanecen en la retina un tiempo. Otras se alojan en huecos más profundos y difíciles de fumigar. Las más desaparecen con la marea, como si nunca hubiesen estado allí, igual que hacemos todos. Las bandas no son tan irremediablemente hermosas, pero funcionan igual. Así pues, ¿Tiene el último vómito sónico de estas Garras del Demonio algo que le permita permanecer en nuestra agenda después de una buena noche de juerga? Son, sin duda, una de esas bandas que In The Red, sello empeñado en encontrar diamantes en los desguaces,selecciona con fino ojo. Es decir, no decepcionan y van un poco más allá del simple garaje cabezon e infraproducido. De hecho, saben relajarse entre trago y trago de lejía para cincelar abruptas gemas inspiradas en Dylan ("That Old Outlaw" recuerda a "The Ballad of Frankie Lee And Judas Priest") o cabalgar por incinerados atardeceres vaqueros ("Hunting on the 49", quizá la mejor canción del disco). Pese a ello, quedan lejos de lo aportadopor compañeros de sello como los Deadly Snakes de "Ode To Joy", y no poseen un matiz peculiar que consiga arrancarlos del magma de bandas que están, más o menos, en su misma posición. Eso si, entretienen. No me pregunten si eso es mucho o poco a día de hoy, porque de ustedes depende. Su casera mugre de apartamento mal ventilado, su aspera efusividad, su fiereza con regusto a herida infectada, me causan un placer no exento de deja vu que remite a lo mejor de la casquería garajera de ayer y hoy (sin ir muy lejos, a los gloriosos -esos si que sí- Oblivians). En definitiva, que si lo que buscas no es conversación original ni sutilezas de princesita, nada parece ser óbice para un buen revolcón, pero es muy dudoso que a la mañana siguiente tengas ganas de que este disco se quede a vivir contigo. Quizá esos sean los mejores. Vaya usted a saber. (Esta reseña ha sido gentilmente publicada por la Revista Ruta 66, redactada por nuestro ubícuo colaborador Mr. Cowboy Iscariot)

The Bloody Hollies - "Who to trust, Who to Kill, Who to Love" (Alive Records)


Yo a esto lo llamo Rock&Roll. Ellos prefieren "Bluesy Punk". Pues vale. Un gran disco es un gran disco lo pongas en la cubeta que lo pongas. Grabando para el excelente sello que es Alive Records (Two Gallants, Black Keys, Black Diamond Heavies) los Hollies son un trío de Buffalo bronco y sanguíneo como ese hermoso animalito. Alejados de componendas "arty" (no intentan sonar mal para quedar bien), no apareceran, probablemente en las listas de lo mejor del puto año, pero tampoco hace falta. A cambio nos han dado un segundo álbum sólido como una roca, furibundo y emocionante. Un engendro rabioso pero de sólida osamenta garajera, punteado aquí por slides y armónicas y allá por amagos lisérgicos, y atravesado por razzias de guitarras cortantes o cenagosas según lo pida la canción. Lo suyo no es nuevo, cierto, pero tienen personalidad (cogen de muchos, no copian a nadie), y pinta de ser una banda con pretensiones: A saber, las de hacer discos repletos de clase, cojones y canciones perdurables. "Todas las riquezas del mundo no te ayudarán cuando estés muerto, porque el alma es todo lo que traes", canta el comandante en jefe Wesley Doyle en la magnífica "Delta Heart Attack". Y así son, innegables como las sencillas evidencias de la vida y la muerte. Montaraces, vibrantes y agridulces como la experiencia misma. Creételos. Ámalos. Y déjalos vivir. (Crítica publicada en la Revista Ruta 66 y confeccionada por nuestra estimada cobaya humana Mr. Cowboy Iscariot)

martes, abril 24, 2007

5 COBRAS sobrevuelan el cielo de Madrid

Pasando de cenas, escenas, escenitas y otras pamplinas del mundo de la música de Madrid, 5COBRAS vuelven a la carga con su habitual dosis de desparpajo escénico, mala baba y apoteosis ritmico-melódica. Si te los pierdes para ir a ver a la última sensación del indie folk albaceteño, merecido tienes lo que te pase después.

Sábado, 28 de Abril - La Leyenda Rock Bar (C/San Bernardino. Metro Noviciado). 21.30 h. GRATIS!!! Las cobras vuelven a su tugurio infecto favorito acompañados por los mundialmente conocidos El Lazarillo Deforme. Garantizada la ingesta masiva de espirituosos, la algarabía barrial, las taras hereditarias en estado de floración y los brindis por Bon Scott.

Jueves, 3 de Mayo - Sala Gruta 77 (c/Nicolás Morales esqu. c/Cuclillo. Metro Oporto) - 10.00 h. 6 euros. Amparados por el excelente Rock&Roll de los Mostoleños Los Cavernas, los hijos asilvestrados de Mario Cobretti prometen regar con NAPALM el garito y reducirlo a ceniza rockera. Ya se sabe que no hay mejor olor a la hora del desayuno...

lunes, abril 02, 2007

KAPUT IV en la calle!!!


Por fin, el número cuatro está en la calle. Tarde. Hubo motines y guerras intestinas. Hubo deserciones y golpes de mano. Pero los solucionamos a nuestro estilo, con clase (ver imagen). Entrevistas con ORTHODOX, MATT ELLIOT, LE PUNK, RADIO BIRDMAN y DORLENE LOVE, la habitual dosis de ácido sulfúrico en las reseñas de discos y un puñado más de aportaciones de vuestros tarados favoritos. Píllalo en tu garito rockero más cercano.
Entre ellos... (lista en proceso de confección...)

MADRID
Malpaso (c/Conde Duque)
Radio City Discos (Plaza Guardia de Corps, Conde Duque)
Tercer Tiempo (c/Quiñones, Barrio de Comendadoras)
Wurlitzer Balroom (c/Tres Cruces, junto a Gran Vía)
CGroovie Bar (c/Tesoro, Malasaña)
Moloko Sound Club (c/Quiñones, Barrio de Comendadoras)
ACME (c/Velarde, Malasaña)
La Vía Láctea (c/Velarde, Malasaña)
La Leyenda Rock Bar (c/San Bernardino, cerca de Plaza de españa)
PK Soul (c/Santiago de Compostela, Barrio del Pilar)
Café Asenjo


Take what you can - Give nothing back!!!

jueves, marzo 08, 2007

Extermínense!!! (pero ya) - una entrevista perdida con JAVIER CORCOBADO

Esta entrevista con Javier Corcobado fue realizada hace dos o tres años para la revista Ruta 66, con motivo de su disco de entonces, "Fotografiando al Corazón" (DRO East-West). El Ruta, por arcanas razones, no llegó a publicarla, y yo me la encuentro entre mis papeles de vez en cuando, así que ahí va. Javier tiene ya un disco nuevo, "Editor de sueños" (Astro), pero creo que la mayor parte de las reflexiones del texto siguen siendo válidas para esta etapa. A disfrutar, pequeños.

Has estado varios años fuera de circulación y has grabado el nuevo disco en México. ¿Cómo ha sido? ¿Hay alguna influencia de la música mexicana?

Había estado haciendo discos casi cada año desde el 85. Decidí parar en el 98. Hice una minigira de la que prácticamente no se enteró nadie, y casi mejor ,y decidí descansar, porque lo necesitaba. Desconecté de todo el huracán de la música. Estuve dos años en La Coruña y en 2001 sentí la necesidad de volver a componer y a grabar, y a interpretar, porque a mi me encanta subirme a un escenario, y eso me llevó a México. Desde 92 había estado yendo cada año y en el 95 me quise ir allí a vivir y a grabar un disco allí por que me gusta mucho la ciudad, pero no pude, porque acababa de salir “Arcoiris de Lágrimas”. Ahora por fin he cumplido mi sueño. México D.F. es maravilloso pero es un infierno también. Antes todavía me gustaba más porque seguía enamorado del caos tan tremendo que es, pero te acaba agotando. Yo ya he tenido mi sobredosis de ciudad, ahora ya no vivo en México ni en Madrid.En mi nuevo disco la influencia de la música mexicana se nota de manera subliminal. Es difícil descubrirla pero la hay.

Sin embargo finalmente no has publicado el disco allí, como era tu intención...

Estaba muy jodido, la piratería allí es de un 70%. Las discográficas de nos trataron muy bien, nos conocían, porque en México Tenemos bastante público, escuchaban la demo y decían ¡si esto es buenísimo!, la ponían a todo volumen, la escuchaban entera... pero todos lloraban por la piratería y entonces decidí venirme para aquí. Alfonso de DRO fue el que me grabó el primer disco de Mar Otra Vez, el primero que confíó en nosotros, y nos entendemos bien.

¿Es “Fotografiando al corazón” tu disco más optimista, menos tremendista?

Yo curiosamente siempre he sido una persona optimista, y aunque haya hablado muchísimo de la tristeza, y hace años me haya regodeado en ella, revolcado en ella, creo que siempre he mantenido el optimismo, porque si no no hubiera seguido viviendo ni grabando discos ni nada. Si tuviera que emplear un adjetivo -aunque pueda sonar vanidoso, pero es que es la puta verdad- es el de sincero. Aquí hay una de las canciones más sinceras que he escrito en mi vida sobre mis sentimientos, “Temblando”. Y optimista también, como todos mis discos... aunque haya gente que no se lo crea.

Las críticas suelen centrarse en los puntos en común, pero a mi me parece que has cambiado muchísimo desde tus primeros discos como Corcobado hasta ahora. ¿Cómo ha sido el proceso?

El cambio se ha ido produciendo paulatinamente, yo no veo un cambio radical. En la manera de cantar, de verdad que intento cantar cada vez mejor, pero no soy un ortodoxo…yo se que mi voz en el estado más grave es bastante aburrida para la gente, pero ya lo tengo asumido casi desde “Tormenta de Tormento”. En cuanto al método de componer no he cambiado, sigo utilizando todos los medios que están a mi alcance. En general no cojo la guitarra y me pongo a tocar hasta que me sale una cosa muy estupenda. Y no compongo así por minusvalía como instrumentista... yo me tuve que inventar una guitarra para no tener que dar poner acordes (risas). La música está en mi cabeza, las canciones me las imagino, y lo jodido es sacarlas después, porque tu tienes unas imágenes sonoras increíbles, y cuando las traes a la realidad siempre se depauperan, se desvirtúan. Siempre. Constantemente experimento y pruebo cosas, a partir de ruidos compongo muchísimo: Solía coger un Fostex X 26, un cuatro pistas, y grababa todo tipo de ruidos, sobre los ruidos mas tremendos que lograba tarareaba dulces melodías y eso me llevaba a un ritmo, y a partir de ahí surgían canciones. Sin embargo también uso el método tradicional a veces. Doy un La Mayor y me sale de pronto una letra. Un ejemplo es “Secuestraré al amor”. Un ejemplo del otro método es “Todo se rompe”, que está hecha a partir de una suma de timbres y ruidos que se van superponiendo, que van creciendo, que se van debilitando hasta que de repente llega el silencio, que para mi es a veces el ruido más doloroso; no el más ensordecedor, pero el más doloroso. El cambio fundamental es que he intentado hacer canciones más rotundas, menos dispersas, y en las letras he perdido un poco la intención poética global dedicándome más a intentar hacer canciones clásicas de siempre, que perduren en el tiempo. A mi lo que más me motiva en la música es la perfecta comunión entre ruido y melodía. Y, últimamente, hablar de sentimientos sinceros y de la realidad. Estoy hablando más de la realidad que nunca.

También hay una mayor preocupación por el acabado técnico...

No creo. Cuando estaba con Mar otra vez grabamos el primer disco en un mini estudio que era del bajista de Lola Flores, una habitación pequeñísima, y empezamos a hacer experimentos y metimos hasta ultrasonidos. Los tíos se llevaban las manos a la cabeza, pero se divertían mucho con nosotros. Tenían grabadoras de cintas de 16 pistas, luego pasas a 24… Sencillamenta, tienes que utilizar los medios tecnológicos a tu alcance y de tu época para grabar tus canciones. El retro y el revival siempre están de moda, pero yo no soy muy retro en cuestiones tecnológicas, exceptuando algunos aparatos y sintetizadores, y algunas guitarras antiguas. Me gustan más los aparatos e instrumentos antiguos que los métodos de grabación antiguos, y eso que son maravillosos, como en los discos de Jazz de los años cuarenta y los primeros del rock&roll, con todo el mundo tocando alrededor de un micrófono, micros rusos buenísimos que lo registraban todo. Y los músicos eran muy buenos, cada vez que tenían que hacer un solo se acercaban al micro, hacían el solo, se retiraban…¡pero es que eso en su momento era alta tecnología! Se confunde un poco el rollo tecnológico con el rollo moderno ¡Hay tanta música electrónica mal entendida! Y ojo que no estoy en contra de la electrónica, a mi me encantan Pierre Henry, Silver Apples, Suicide, que es mi grupo favorito.. pero si los estudios se renuevan y hay nuevos aparatos, creo que hay que usarlos.

¿No perjudica tanta tecnología a la calidad de los músicos?

Si. Es el segundo disco que grabo directamente a un programa de ordenador, y me he dado cuenta de que los avances tecnológicos de grabación hacen a los músicos peores, mucho más vagos y autocomplacientes, porque saben que si se equivocan, aunque metan la pata de la manera mas atroz, lo puedes corregir… antes no había mas cojones que grabarlo bien. Y se tarda más en grabar un disco, al menos yo lo he experimentado así. ¿Qué es lo bueno de todo esto? Que el resultado final para el que el artista, el que urde el disco y lo tiene en su cabeza, es mucho mejor. Te puedes acercar más a la imagen sonora mental de la canción de la que hablábamos antes.

Aunque es cierto que ahora, como con el punk, cualquiera puede hacerse su disco...

Yo siempre he sido un fanatico de la música disco. Ahora hay miles y miles de personas haciendo música de baile electrónica en sus ordenadores, y cuando la escucho me gusta, pero, joder, es una pena que siempre se trabaje sobre el cuatro por cuatro. ¡Si hay mas compases, hombre! Haz un vals disco, o un vals trance, o como cojones lo quieras llamar... Yo creo que a la gente le superan los aparatos, y un aparato no te puede superar. A un aparato lo tienes que conocer, hacerte amigo de el . Tienes que utilizarlo y si lo logras estás haciendo música, sino el aparato juega contigo, y juega muchísimo, ¿eh?

¿Se nota una diferencia muy grande entre el público mexicano y el de aquí?

Si, allí se toman las letras mucho más a pecho que aquí. En España y en Europa en general se ha perdido bastante el gusto por la literatura de las canciones, o mejor dicho por la poesía de las canciones y se le pone mas atención a la música. En México entienden todavía la canción, como algo muy fuerte con lo cual expresarse. De hecho en los conciertos allí todo el público está cantando y gritando las letras y la música pasa un poco a un segundo plano. En Europa el público es más crítico y menos apasionad, o al menos si no son críticos van de críticos (risas). No se, a mi me gustan los dos aspectos, los dos mundos tienen su punto.

Incluso en España todo parece ir en esa dirección europea...

Si, pero desde que yo llevo en esto en España he visto todo tipo de público. Cuando empezamos en los ochenta había mucho nov también, casi tenías la sensación de que estaban esperando a que te equivocases para poder comentárselo al de al lado: “Mira, se han equivocado”. Eso, que van de críticos sin que alguien les haya otorgado el poder de serlo, o el don de serlo, o la capacidad de serlo. Pero bueno, tío, son gente que paga una entrada para ir a verte, y eso ya merece un gran respeto. No voy a ponerme en plan folclórica, “yo me debo a mi público y nosequé y nosecuantos...”, pero yo lo respeto mucho, y eso que muchas veces me insultan… bueno, ahora ya menos, pero me insultaban, y yo pensaba: “¿Por qué está este tío tan violento conmigo si ha pagado su entrada para venir a verme? ¿Por qué no está disfrutando? ¿Qué quiere que haga?” (risas)

Sigues tocando palos tradicionales y alejados del rock al uso...

Yo tiendo mucho a rememorar y a extraer cosas del subconsciente de la niñez. Muchas melodías me vienen de la niñez, son melodías escuchadas… En mi familia no hay antecedentes de interpretes o compositores, pero a mi abuela le gustaba mucho la música y era la que me llevaba a todos los espectáculos, al cine, me enseñaba canciones... El primer recuerdo musical que tengo es escuchar “Poupee...” de France Gale sentado en las piernas de mi abuela viendo el Eurofestival del 65. Se me quedó grabada y la he ido arrastrando hasta que la he hecho, porque creo que tenía una deuda con la música pop. Siempre que ponía esa canción, aunque estuviera en un estado de abatimiento total, me levantaba el ánimo Y en homenaje a Gainsbourg, también, que es uno de los mejores artistas de la historia del pop.Los boleros también me vienen de la niñez. Mi madre ponía la radio y escuchaba muchísimos boleros, Antonio Machín, Lucho Gatica, Olga Guillot. Lo que pasa es que el bolero es un espacio bastante limitado, yo creo que está agotado. Yo hice dos volúmenes y ya está. Una cosa totalmente repugnante de estos artistas comerciales, como Luis Miguel, es que cada vez que no saben que hacer, ¡venga, el disco de boleros! A cascarla por ahí, hombre... Y lo de música brasileña es raro, porque es como una especie de cosa física. Al escucharla me mueve algo. Yo creo que debo tener antepasados portugueses (el apellido Corcovado es el de mi madre) Siempre me ha gustado mucho, cantar con esa falta de ganas… con ese punto de desgana total, como si estuvieses cantando justo antes de irte a dormir… Aunque no he investigado el árbol genealógico, tampoco me interesa. Durante mi carrera he grabado “Corcovado”, de Jose carlos Jobim “Un minuto y medio”, que fue la que le hizo a Joao Gilberto y que grabamos prácticamente igual y con todo el respeto del mundo, pero sin la orquesta.. “A pelo”, de Budden Powell y Vinicius de Moraes. Pero la que más ganas tenía de hacer es “Negue”, que está en el disco nuevo y que no es estrictamente una bossanova. La versión original de María Betania es una especie de mezcla de samba lenta y bolero con algunos toques de jazz. Me ponía la carne de gallina y siempre me decía a mi mismo “Tengo que grabarla”.

Bueno, es España quien más y quien menos está marcado por esos géneros tradicionales, ¿no? Mi madre siempre cantaba rancheras y mi padre tangos...

Pues menos mal que lo has dicho, porque las rancheras y los tangos son otros dos géneros que me privan…Yo no tengo palabras para expresar la grandeza de Carlos Gardel. Y en las rancheras, amo profundamente la manera de hacer canciones que tenía José Alfredo Jiménez. Es algo increíble. En México me habló de él gente que lo había conocido, y era un tipo que generaba cinco o seis canciones al día: Se iba a la cantina y las escribía en papeles, apuntaba las notas, y las regalaba… Y también hay intérpretes geniales, como Javier Solís…

¿Había en esos generos una comución literario musical que tu intentas buscar?

Estaba muy conectadas las dos cosas. Hombre, ha habido muchos revolucionarios del tango, Piázzola, pero en las épocas de Gardel, años 20, años 30, la estructura del tango era siempre la misma, no había excesivos adornos y cambios musicales. Eran cuatro reglas que se cumplían y lo importante era la letra, la historia que se contaba. En los boleros es igual. A mi me gustan las letras de amor tremendista de los boleros, letras que son una salvajada, de odio, de venganza, de resentimiento. Eso me atraía, porque en el fondo yo no soy capaz de escribir una canción tan fuerte y tan directa de odio: “Te odio tanto que yo misma me espanto de tanto odiar”, como decía Olga Guillot.. Las historias superan a la música, si. Ese gusto por la historia si se mantiene en México.

Queda poca gente en el rock que cuente historias bien, Nick Cave, Leonard Cohen...

Si, yademásCohen es un buen ejemplo de adaptación, lo que decíamos de la tecnología: “First we take Manhattan” suena natural. A mi lo que me gusta es eso, que utilices los medios que tengas que utilizar y que suenen naturales, no como un disfraz. Para mi, por ejemplo es muy importante la imagen de un artista o de un grupo. Yo pago mi entrada, voy al concierto y si no conozco al grupo, lo primero que me hace pensar es la pinta que tienen. Cuando detecto que van disfrazadoa, ¡Bufff! Hay gente que puede llevar unas cosas disparatadas, por ejemplo Alan Vega, desde el 86, que ya tiene un barrigón enorme, y salía con una cinta en el pelo horrorosa y una cazadora con tachuelas horrible, y no parecía un disfraz, era natural. En cambio ves a otros con una chupa de cuero y dices, “este tío se ha disfrazado de rockero”.

Luego está el rollo “indie” que pretendía pasar de la estética y ha degenerado en el más esteticista de todos...

Si, van disfrazados de gente normal (risas)


Siempre has aceptado tener influencias de la No Wave neoyorquina. ¿Sigue siendo así?

Sigo conservando esa esencia. Fue con lo que más me identifiqué. Con Mar Otra Vez estábamos haciendo una música muy distinta a la que escuchábamos, porque no sabíamos tocar bien pero no hacíamos punk –aunque a mi me fascinó y me dio un impulso el punk-. Entonces por esa época, a mediados de los ochenta, empezamos a conocer a grupos neoyorquinos como los Contortions, DNA, etc y dijimos :“Hostia, pues estamos cerca de ellos. ¡Coño!, que bien que haya más gente en el mundo haciendo algo así”. Yo no quiero decir que fuéramos tan buenos como ellos, pero teníamos una intención parecida. Me marcó bastante a la hora de componer y sobre todo de arreglar canciones. Y lo conservo. Se que lo conservo porque lo he hecho en este disco, en algunos momentos de “Negue”, por ejemplo. Eso nunca lo perderé…espero (risas).

¿Hay algún grupo español al que sigas o te haya sorprendido. Yo siempre he visto una cierta relación entre tu rollo y el de Fernando Alfaro (Chuch, Surfin´Bichos)

El último grupo que me dijo no algo, sino muchas cosas, porque escriben frases maravillosas con su música, sus sonidos, sus estructuras, son Manta Ray. Asparte son uno de los pocos grupos españoles sólidos que he visto en directo. Tienen sus carencias y sus cosas, pero instrumentalmente son de los más fascinantes de los últimos años, y he tenido la suerte de tocar con ellos en un disco y una gira llena de experiencias de lo mas peculiares y divertidas. Y aparte son amigos, al final nos hicimos amigos todos. Si, respeto mucho a Manta Ray. A los surfin´Bichos no los he oido en profundidad nunca, aunque siempre me han hablado muy bien de ellos. Al citarlos me has recordado a los Bichos, donde estaba Josetxo Ezponda, que es una pena que esté un poco en el anonimato, porque es el tipo mas glam y mas rockanrolero que conozco en España. Es muy buen amigo y creo que tiene mucho talento. Y sabe hacer ruido con la guitarra, ¿eh?

¿Se ha fijado la prensa más en la leyenda de maldito que te rodea que en tu arte?

Si, en muchísimos casos. Yo creo que la gente ha escrito sobre mi de manera recurrente o por encargo, y no ha profundizado mucho en la música. Hay volando por ahí una serie de conceptos sobre mi -o había, me alegro de que ya no vuelen tanto- y si, claro, se han dedicado más al amarillismo de la prensa musical, que hay muchísmo, en lugar de a la música, que realmente es lo importante, joder. En todo esto lo realmente importante son las canciones y la música, y las sensaciones que transmitan esas canciones a la gente. Lo que puedan ayudar a cierta gente.